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ATLANTIC STARR

Atlantic Starr é uma banda americana de Rhythm & Blues com sede em White Plains, Nova York. Eles são mais conhecidos pelos sucessos "Always", "Secret Lovers", "Circles" e "Masterpiece".

Atlantic Starr começou em Greenburgh, Nova York, com o trompetista Duke Jones (que deixou a banda antes de suas primeiras gravações), o baterista Porter Carroll Jr., o baixista Clifford Archer, o percussionista e flautista Joseph Phillips, Sheldon Tucker (guitarra; se separou da banda antes das primeiras gravações) e três irmãos: David Lewis (vocal e guitarra), Wayne Lewis (teclados e vocais) e Jonathan Lewis (teclados e trombone). Os membros da banda eventualmente se estabilizaram em torno de Carroll, Archer, Phillips, os três irmãos Lewis, a vocalista Sharon Bryant (que mais tarde foi substituída por Barbara Weathers), o trompetista William Sudderth III e o saxofonista Damon Rentie (que mais tarde foi substituído por Koran Daniels).

Em 1977, a banda veio para Westwood, Califórnia, e se apresentou em boates sob o nome de "Newban", que eles concordaram em mudar a pedido do executivo da A&M Records, Herb Alpert, quando assinaram. Já tendo concordado em manter Starr como parte de uma ideia inicial para um novo nome de banda, os membros decidiram adicionar a palavra Atlantic, por causa de suas raízes na Costa Leste. A banda de nove membros agora eram funcionários da A&M.

Ao longo do final dos anos 1970 e início dos anos 1980, Atlantic Starr obteve vários sucessos nas paradas de R&B. No entanto, o sucesso significativo do crossover (nas paradas pop) só veio na metade da década de 1980, com o lançamento de seu álbum As the Band Turns (o último na A&M Records) e o single "Secret Lovers". A essa altura, a banda havia se reduzido a um quinteto, composto pelos três irmãos Lewis, Phillips e Weathers. Em 1987 (após assinar com a Warner Bros. Records), a banda solidificou seu sucesso pop ao marcar um hit pop (e R&B) número 1 com "Always", uma balada de amor de seu álbum All in the Name of Love. Após esse sucesso, Weathers partiu para carreira solo e foi substituída por Porscha Martin no próximo álbum da banda, We're Movin' Up, de 1989. Embora este álbum não tenha tido tanto sucesso quanto seus antecessores, ele produziu outro hit R&B número 1 com "My First Love".

A banda continuou a marcar sucessos nas paradas de R&B e Pop no início dos anos 1990. 1991 viu a introdução de mais uma nova vocalista feminina, quando Martin foi substituída pela Miss Black America 1986, Rachel Oliver, para o álbum Love Crazy. Este álbum apresentou o maior sucesso da banda na década de 1990, com "Masterpiece" alcançando o terceiro lugar nas paradas pop e R&B no início de 1992. O grupo viajou para o Japão em 1992 com mais uma vocalista feminina no comando, Crystal Blake, uma vocalista de estúdio de Stevie Wonder que também cantou as partes principais femininas na faixa título de sucesso menor do álbum How Could It Be de Eddie Murphy e Young MC's "Bust A Move."

Após o lançamento de Love Crazy, o relacionamento da Atlantic Starr com a Warner Bros. Records foi dissolvido e, em 1994, a banda gravou um álbum para Arista: Time. Esse álbum foi uma decepção comercial e o single "I'll Remember You" só chegou aos anos cinquenta nas paradas de R&B e singles pop da Billboard. A Time (que foi o último álbum de David Lewis com a banda) encontrou uma quinta cantora, Aisha Tanner, substituindo Oliver. E quando Legacy de 1999 foi distribuído pelo pequeno e independente selo Street Solid, Atlantic Starr revelou ainda outra formação - uma que consistia em dois Lewis Brothers (Wayne e Jonathan), bem como Oliver (que retornou e substituiu Tanner) e um novo cantor chamado DeWayne Woods. Embora Legacy tenha recebido pouca atenção, Atlantic Starr ainda continua se apresentando até hoje e lançou seu 14º álbum, Metamorphosis em 2017, com participação de L'john Epps e Melessa Pierce.

MEMBROS ORIGINAIS

Depois de deixar o Atlantic Starr, o baterista original e membro fundador da banda Porter Carroll Jr. lançou um álbum solo autointitulado (Porter Carroll II) em 1986. Este álbum contou com contribuições de vários músicos proeminentes, incluindo Marcus Miller, David Sanborn e a ex-colega de banda do Atlantic Starr, Sharon. Bryant. Ele continuou trabalhando desde então e atualmente toca percussão na banda ao vivo de Daryl Hall.

Após sua saída do Atlantic Starr, a cantora Bryant embarcou em uma carreira solo e lançou um álbum em 1989, marcando vários grandes sucessos nas paradas de R&B, bem como um pequeno sucesso pop do projeto.

O saxofonista original Damon Rentie seguiu carreira solo, lançando seu primeiro álbum solo, Designated Hitter em 1985. Seu segundo e terceiro álbuns solo seguiram em cada ano sucessivo (1986 e 1987, respectivamente). Ele também já havia feito sessões de trabalho com DeBarge.

O trompetista original William Sudderth continua a seguir uma agenda ativa no mundo da música, atuando em diversos ambientes e se tornando um dos trompistas mais requisitados da indústria.

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B.B. & Q. BAND

Nossa, que banda fantástica é essa! Desde o início em 81 B. B. & Q. a banda mostrou o que é a música de verdade. Com um som pop Funk suave e irresistível, com melodias altamente viciantes e cativantes, eles eram uma mistura perfeita de habilidades de produção europeia e vocalistas americanos que fizeram desta banda um clássico!

O Plano de fundo

Jacques Fred Petrus, o homem por trás da banda Change e Peter Jacques e outros, também foi a força por trás da banda B. B. & Q.. Sendo o magnata da Goody Music Productions (GMP), com sede em Milão (Itália), desde a segunda metade dos anos 70, junto com seu cofundador, compositor, arranjador e produtor mago Mauro Malavasi, ele tinha planos prontos para um novo projeto. Depois de certo sucesso com suas primeiras produções no final dos anos 70, Petrus queria mais do mercado norte-americano. A mudança tornou-se um verdadeiro avanço em 1980, mas Petrus não parou por aí.

Em novembro de 1980, Petrus foi para os estúdios de Bolonha, na Itália, com seus músicos italianos Mauro Malavasi (piano e sintetizador), Davide Romani (baixo), Paolo Gianolio (guitarra) e Rudy Trevisi (saxofone). As melodias básicas escritas pelos três primeiros junto com Marco Tansini surgiram em 1981 nos álbuns da banda Change e B. B. & Q.. Quando essas melodias instrumentais foram finalizadas, Petrus trouxe alguns músicos americanos para criar uma pequena seção rítmica, incluindo Terry Silverlight (bateria), Doc Powell (guitarra) e Onage Allen Gumbs (sintetizador). Gumbs foi demitido e mandado para casa depois de algumas sessões, provavelmente porque Malavasi conseguia tocar essas partes repetitivas sozinho e não precisava da contribuição de ninguém para criá-las e, com isso, economizar dinheiro para Fred ao mesmo tempo. Embora as melodias já existissem, elas foram mantidas longe dos americanos nesta fase. O baterista Silverlight lembra que nunca ouviu as melodias durante a gravação, apenas ele mesmo, o baixo e uma parte de sintetizador pré-existente na fita.

Cerca de seis meses depois, em Nova York, uma audição vocal estava sendo realizada no Media Sound Studios, onde todos os grandes cantores de Nova York e de outros lugares estavam aparecendo. Petrus finalmente contratou cantores como Ike Floyd, Gordon Grody, Fonzi Thornton e Diva Gray, para citar alguns. Todos mais ou menos renomados, mas todos grandes cantores.

Um começo perfeito em 1981

Quando o 12" de "On the beat" foi lançado, B. B. & Q. Band era um conceito de estúdio sem rosto (como todas as criações criadas por Petrus), mas antes do lançamento do álbum de estreia pela Capitol Records em setembro de 1981 foi necessário mudar O membro posterior da banda, Kevin Robinson, lembra que: "A Capitol Record pressionou Petrus por 'rostos' para a música; então ele deu-lhes rostos. No entanto, quando o disco decolou, ele precisava de músicos e intérpretes que pudessem executar a música."

Os "rostos" (vistos no verso da capa do álbum) eram Kevin Nance, Ike Floyd, Paris Ford, Abdul Wali Mohammed e Dwayne Perdue. Todos eles junto com Kevin Robinson, Paris Ford, Mel'lisa Morgan, Ethel Beaty, Skip Anderson e LaLa Cope - que Petrus encerrou antes do início da turnê - tornaram-se o grupo de turnê na turnê "On the Beat" seguinte com Mic Murphy como gestor rodoviário.

O álbum, que alcançou o 72º lugar na parada de álbuns negros da Billboard e o 109º lugar na parada de álbuns pop da Billboard, foi produzido por Petrus e Mauro Malavasi. Na verdade, a criação de todas as faixas (todas compostas, arranjadas e conduzidas por Malavasi), exceto a balada "Don't say goodbye" de Tansini e todo o processo de produção foi obra do brilhante Malavasi. Petrus tinha o (mau) hábito nomear-se como produtor ou co-produtor, mesmo que isso raramente acontecia. Como tantas vezes no final dos anos 70, Itália e Bolonha já foram palco de gravações de música com músicos inteiramente italianos, com apenas algumas exceções. E como antes, a música foi finalizada na Itália e finalizada em Nova York, onde "...letristas, vocalistas de fundo e vocalistas principais da América foram usados para dar às músicas um sabor americano..." (Kevin Robinson) antes do lançamento.

O som

A música da banda BB & Q. pode ser descrita como discofunk, ou popfunk, como disse uma vez o ex-membro do Change, Jeff Bova. Comparada com a única outra produção de Petrus/Malavasi daquele ano, "Miracles" de Change, a banda BB & Q tinha um som um pouco mais funky, mas ainda era tão acessível e atraente quanto o álbum de Change. As semelhanças com Change não foram uma coincidência. A maneira como Petrus dirigia seu império era permitir que Malavasi e alguns outros italianos criassem a música, arranjassem, regessem e produzissem (sob as diretrizes dadas por Petrus) e então, sozinho, colocassem-nas nos álbuns que considerasse mais adequados para eles. . Só Petrus sabia onde cada pista seria colocada no final. Esse procedimento era uma marca registrada dele e era realizado continuamente do início ao fim. É por isso que todas as faixas escritas naquele ano poderiam facilmente ter sido usadas nos álbuns da banda Change ou B. B. & Q.

Assim como Change, as características distintivas da banda B. B. & Q. foram em grande parte enfatizadas no papel das guitarras. Pode-se até dizer que, assim como seu grande adversário Chic, as guitarras foram a marca registrada de todas as produções do Little Macho. Eles foram tocados de forma distinta, o que fez as cordas brilharem e se estenderem até o limite e perfeitamente apimentadas com influências Funk usadas de forma inteligente. Tanto os guitarristas quanto os baixistas de Gianolio e Romani realmente mostraram seu grande potencial e às vezes até mesmo as habilidades clássicas de Gianolio no violão brilharam mais do que apenas em um nível sutil; o resultado foi simplesmente fantástico! Mas as guitarras nunca foram assumidas nos arranjos de Malavasi. Em vez disso, eles foram perfeitamente combinados e incorporados de forma equilibrada com aquele som arejado, polido, bem produzido e transparente que o restante dos instrumentos entregava. O resultado final foi uma produção altamente dançante, sedutora e delicada graças à incrível genialidade de Malavasi.

A primeira faixa do álbum era algo que ninguém iria esquecer tão cedo, seja falando do passado ou do presente. Se você ainda não ouviu “On the beat”, que alcançou o 8º lugar nas paradas de singles negros da Billboard, certamente tem algo para fazer! Esta é realmente uma das melhores faixas de todos os tempos em seu gênero e com sua melodia rápida e cativante, linda canção de Ike Floyd, guitarras intensas e linhas de baixo profundas. Inclui uma introdução hipnótica indescritível executada por um sintetizador enlouquecido. Isso coloca você no chão, queira você ou não! E a história não terminou aí, pois o álbum incluiu mais três sucessos eternos de destaque. A mais forte entre elas foi “Time for love” (72º lugar na parada de singles negros da Billboard), uma faixa absolutamente perfeitamente equilibrada com uma pausa curta, mas intensa e sonhadora após três minutos e meio com guitarras fortes, cordas contagiantes e toques de trompete exigentes. Também músicas mais disco como "Mistakes" e a sonhadora "Starlette" (que foi originalmente planejada para o álbum de estreia do Change) eram canções competentes que tinham muito em comum com as faixas do álbum do Change daquele mesmo ano. Embora a banda B. B & Q. tenha enfatizado fortemente as faixas rápidas, o álbum também incluiu a balada triste, mas irresistível de "Don't say goodbye" e uma imitação de reggae de tempo médio um tanto deslocada que muitos artistas adicionaram na época de estranhos razões. Este álbum incrível e clássico é talvez o mais brilhante e genial de Malavasi.

O segundo álbum

O B. B. & Q. Band em 1982

O próximo álbum foi lançado em 1982, mais uma vez pela Capitol, intitulado "All night long" (32º lugar na parada de álbuns negros da Billboard). Com a vista de sua amada Nova York brilhando à noite, eles continuaram a apontar sua origem. A capa mostrava as duas torres gêmeas do World Trade Center. O primeiro álbum foi um projeto de estúdio. Agora uma identidade mais grupal foi materializada. Da turnê "On the Beat" de 1981/1982, Petrus trouxe Kevin Nance e Kevin Robinson em 1982, que Petrus nomeou como líder da banda. Consequentemente, a banda B. B. & Q em 1982 apresentava Kevin Nance nos teclados, Kevin Robinson, que não apenas tocava guitarra, mas também se tornou o vocalista depois de Ike Floyd, Chieli Minucci (uma primeira geração ítalo-americana) na guitarra e Tony Bridges no baixo. Kinky foxx contribuiu com Johnny Kemp, o mais tarde artista solo de sucesso, como cantor de fundo.

Mais uma vez o lançamento foi produzido pela Petrus, mas apenas no papel. O conceituado Luther Vandross não era mais um cantor de fundo como era em 81, mas outros nomes novos e antigos estavam entrando em cena. Os cantores de fundo incluíam a soberba Tawatha Agee (Mtume), Timmy Allen (Change) e Alyson Williams (High Fashion) para citar alguns.

Agora que tudo estava pronto, o público ficou ansioso para saber se a nova formação estava tramando algo bom, e sim, estava! O anterior monopólio mais ou menos entre os italianos de Malavasi e Romani quando se tratava de escrever e produzir estava agora muito mais misturado com a habilidade e influências americanas. Mesmo assim, o poderoso Malavasi escreveu três das faixas incluindo o hit “Children of the night”. O resto do material escrito foi compartilhado entre Kevin Robinson, com duas faixas, e o ex-membro do Breakwater, Kae Williams. Finalmente Tony Bridges e Timmy Allen escreveram um cada. O álbum tem algumas faixas contagiantes que estão quase no mesmo nível do álbum de estreia. Juntamente com a voz de Robinson trabalhando com paixão e fidelidade nas músicas o resultado ficou acima da média. As faixas mais atraentes são a cantante "All night long (she's got the moves I like)", a eletrofunk "Imagination" (21º lugar na parada de singles negros da Billboard) e a já mencionada Malavasi escrita suave e esbelta "Children of the night". Todas elas realmente ótimas batidas dançantes com melodias cativantes que poderiam muito bem combinar com as faixas mais distintas do álbum em 81. Além disso, o ouvinte encontra algumas baladas legais no álbum.

1983 - Novas direções

A banda B. B. & Q. ainda estava no topo em 82-83, então o que fazer? Bom, por que não produzir um disco ruim, com menos brilho e entusiasmo. Foi exatamente isso que aconteceu em 1983, quando “Six Million Times” foi lançado pela Capitol Records pela última vez. Embora a mulher sexy na capa parecesse bem, o interior não era tão sedutor e interessante quanto o exterior e a banda havia perdido o brilho dos dois álbuns anteriores. Além disso, as habilidades do compositor principal Malavasi foram utilizadas nos álbuns do High Fashion e Change, o que teve grande impacto no resultado musical final de "Six Million Times". Como resultado significativo disso, tanto Change quanto High Fashion lançaram álbuns consideravelmente mais fortes, incluindo várias ótimas faixas escritas por Malavasi como "Tell my way" de Change e "Stay" de High Fashion.

Uma explicação crucial para o motivo pelo qual Petrus decidiu não usar Malavasi em B. B. & Q. O terceiro álbum da banda, exceto por uma faixa medíocre, também pode ser explicado por seus crescentes problemas financeiros que afetaram o relacionamento com o bezerro de ouro de Malavasi e Romani. Isso também fez com que Petrus convidasse novos compositores famintos da América em detrimento dos antigos italianos e a banda B. B. & Q. foi a mais afetada por essas mudanças. Um desses americanos que saiu do álbum em 82 e recebeu essa liberdade de composição foi Kevin Robinson. Ele escreveu quase todas as faixas de "Six Million Times". Robinson era, e é, absolutamente um bom músico e um cantor bastante competente, mas não tão bom quanto um compositor. Ele simplesmente não conseguia competir com o mestre Malavasi. Essa mudança de Petrus foi a principal razão para a queda dramática na qualidade e no sucesso comercial da banda B. B. & Q. em 1983.

A formação do último álbum continuou durante a temporada de 1983, com exceção de Kevin Nance, que saiu em favor de Bernard Davies na bateria. Embora Robinson ainda fosse o vocalista principal e escrevesse grande parte do material junto com seu trabalho como co-produtor, isso não ajudou. Há algumas faixas decentes no álbum, incluindo "Keep it hot", a eletrofunk "Stay", que talvez tenha sido a mais divertida. Tem-se a sensação de que essas faixas devem ter sido um produto de descanso do álbum "All night long". “Six Million Times” é a faixa mais memorável do lado dois com uma batida moderna bastante saborosa. No geral, as faixas escritas por Robinson eram mais pesadas, mais modernas. Uma semelhança óbvia com o som ultra descolado de The Time/Prince e seu Funk mais rock também está presente. Especialmente em “She's a passionate lover” e "Six Million Times” isso é óbvio. Mesmo Robinson, que sem dúvida foi influenciado pelo som deles, ele não conseguiu atingir o mesmo patamar de Prince. Um ano depois, após a saída de Robinson, ele tentou novamente como co-produtor, com um resultado um pouco melhor no raro e único álbum da banda Network, de curta duração, "I need you" em 84. O sucesso musical que conseguiu alcançar foi na realidade muito devido. aos talentos brilhantes do ex-membro do Mtume, Howard King, que escreveu a maioria das faixas. Apesar da perda da sensação anterior de estar no chão e do espírito e brilho genuínos, a banda B. B. & Q ainda não havia tocado sua última música!

A Banda B. B. & Q. em busca de inspiração

Em 82, Petrus e Malavasi não trabalharam juntos tão bem como antes e finalmente sua amizade se desfez em 83 devido a problemas econômicos e ao colapso de sua produtora musical Goody. Petrus continuou como produtor e produtor executivo, mas o excelente talento de Malavasis em escrever músicas foi perdido. Se isso não bastasse, Petrus também perdeu os muito utilizados Romani, Gianolioi e Trevesi devido aos mesmos problemas econômicos. A banda B. B. & Q. agora enfrentava sérios problemas econômicos e musicais, e o futuro era incerto, especialmente depois do fracasso em 83, que tornou a situação ainda mais difícil. Petrus, porém, não desistiu. O álbum de mudança "Change of Heart" em 84 teve, em vez de Malavasi e os outros principais italianos, usado os próximos produtores/escritores Jimmy Jam e Terry Lewis com grande sucesso. Ele entendeu que seu som novo e característico era algo para não esquecer, uma noção que mais tarde foi implementada no álbum do BB em 85 com suas claras influências de Jam e Lewis. Ele não pôde usar os próprios Jam e Lewis mais uma vez, porque eles também não foram pagos e logo deixaram Petrus como os italianos.

Então com toda a sua experiência e conhecimento, o que Petrus decidiu para o futuro da banda B. B. & Q.? Em primeiro lugar, Petrus esperou dois anos pelo lançamento do quarto álbum da banda BB & Q. pela Elektra Records, apresentando uma banda completamente nova, incluindo nenhum dos membros anteriores da banda/turnê. O vocalista Kevin Robinson teve muito trabalho como cantor, músico e produtor na época para grandes bandas como Mtume, Stephanie Mills, The Spinners, Melba Moore, Freddie Jackson (faixa título - platina dupla), The Bar-Kays, Sweet Obsession, Chad, Patti LaBelle, Network e muitos outros deixaram a banda. Mas a principal razão pela qual eles saíram foi que Petrus não pagava mais os membros, nem os músicos, nem mesmo os engenheiros, e nenhum show estava acontecendo, então eles simplesmente o deixaram para outros projetos.

Petrus estava agora quase completamente abandonado por todos. Ele estava nesta situação precária, forçado a pegar outros músicos e cantores e convidou o maravilhoso cantor Curtis Hairston para ser o vocalista principal e usou a velha raposa Kay Williams para escrever todas as músicas, além de tocar teclado e piano. Williams já havia participado do segundo álbum da banda BB & Q. como compositor e baixista. A nova banda B. B. & Q. também incluía Ulanda McCullough como vocalista de fundo (ela foi vocalista de fundo no álbum 81 do Change), Timmy Allen no baixo e Michael Campbell na guitarra, ambos do Change. Petrus decidiu usar Allen e Campell da Change em vez de contratar alguém de fora. Ambos tocaram baixo e guitarra respectivamente no segundo lançamento do BB. Mais uma vez Petrus aproveitou o que restava dos talentos internos e os utilizou na banda.

De volta ao topo, mas apenas por um ano

Em 85 chegou a hora de lançar “Genie”. Petrus já havia deixado a Capitol e lançado o set pela Elekta, provavelmente por causa dos maus números de vendas que seu último álbum representou. Quando você está deitado, você pode deitar ou levantar, a banda B. B. & Q. fez o último após seu péssimo lançamento em 83. É melhor dizer isso imediatamente, este foi um grande retorno! O som era novo, moderno e resistente e o cover lindo e descolado correspondia perfeitamente com a música! Uma mente crítica poderia dizer que o lançamento incluía muitas baterias programadas sem a sensação calorosa de alegria instrumental. Até certo ponto, esse pode ser o caso, especialmente em faixas como "On the shelf" e "Main attraction", mas elas não excluíram uma bela melodia e o calor também era encontrado ali, assim como o esplêndido "Won't you be with me tonight" mostra claramente. Este último poderia ser encontrado mais facilmente no resto do álbum, que é mais suave e onírico. Todas as músicas, sejam pesadas ou suaves, foram executadas com um toque de mestre pela voz sensível do garoto maravilha Curtis Hairston que realmente ajudou a criar um sentimento perfeito levado ao limite do prazer. Usar o velho Kay Williams e deixá-lo fazer todo o trabalho também foi brilhante. A adorável versão longa da faixa-título é uma ótima peça soul descontraída e suave que faz você cantar junto.

As duas faixas mais proeminentes foram "Genie" (nº 40 no top 40 da Billboard em 85) e "Dreamer" (nº 35 no top 40 da Billboard em 86) que obteve ótimos valores com um som sonhador suave e cheio de feitiços! Duas faixas mais pesadas semelhantes também são representativas na "Main attraction" e no electro-funk como "On the shelf" (ponto 72 na parada de singles e faixas Hot R&B/Hip-hop da Billboard) que incluía um blues /rock break do mais alto padrão musical, embora nada sensacional, mas que merece uma atenção mais atenta. Também foram incluídas a boa descida de balada "Minutes away" e a rápida e áspera "Riccochet". No geral, embora não seja um álbum clássico, este é um bom exemplo de música influenciada por Jam/Lewis de meados dos anos 80 que vale a pena comprar.

O fim e o início de outros projetos

A banda B. B. & Q. não lançou mais nenhum álbum depois de "Genie" principalmente por causa da trágica morte de Petrus em 87 e a banda virou história. O que aconteceu com os diferentes membros do grupo após a separação não é conhecido, exceto por alguns. Curtis Hairston lançou o onírico "The Morning After" em seu único álbum em 86. Muitas das faixas do álbum eram muito parecidas com as de "Genie" e poderiam muito bem estar naquele disco. Em 92, ele apareceu como cantor de fundo no álbum autointitulado do ex-membro do High Fashion, Alyson Williams. A atarefada Chieli Minucci, estudiosa do violão clássico, ficou famosa e saiu do estúdio para escrever músicas para artistas como Chaka Kahn e Roberta Flack, mas também trabalhou como produtora. Seu jeito muito especial de tocar jazz foi apresentado em seu primeiro álbum solo em 95. O grande Mauro Malavasi continuou seu trabalho como produtor e compositor de Change, High fashion até 83. Depois deixou seu trabalho com Petrus e continuou sozinho com artistas mundialmente famosos como Andrea Bocceli e a bela Dalida. Paris Ford continuou seu trabalho como músico. Ele lançou seu primeiro single "Be My Girl" (# 69 no Top 100 R&B/Dance da Billboard) pela Streetwise Records (selo de Arthur Baker) e tem tocado e/ou saído em turnê com grandes bandas como Rick James, New Edition, Evelyn “Champagne” King, Lenny White, Invisible Man Band e Planet Patrol, para mencionar apenas alguns.

Hoje ele ainda está ocupado trabalhando com novos projetos depois de seu single mais vendido "2 Far", com o ex-membro do Change James Robinson, lançado em 1989. Paolo Gianolio continuou tocando guitarra para vários artistas como Eros Ramazzotti, Anna Oxa e Fiorella Manoia. Timmy Allen se tornou um compositor e produtor ainda mais bem-sucedido de cantores como Lillo Thomas e Milie Jackson. Hoje Allen ainda trabalha no mundo da música com artistas como Britney Spears e Backstreet Boys. Kevin Robinson teve muitos compromissos e tocou, cantou e produziu para artistas como Mtume, Stephanie Mills, The Spinners, Melba Moore, Freddie Jackson (faixa título - platina dupla), The Bar Kays, Sweet Obsession, Chad, Patti LaBelle e muitos outros. Robinson também foi a força por trás do grupo Network, difícil de encontrar, que lançou seu primeiro e único álbum "I need you" em 84 no Salsoul (talvez apenas no Rams Horn quando há rumores de que Salsoul nunca o lançou, mas o Rams Horn sim , com ou sem permissão) que ele produziu e tocou guitarra. O som da Network é semelhante ao da banda B. B. & Q. em 82 e 83, mas com um groove mais funk. Johnny Kemp, que foi um dos cantores de fundo do segundo álbum do BB, também foi membro da Network como vocalista principal do hit "Cover Girl" [Sample]. Também Raymond Jackson do Mtume tocou baixo neste álbum. Naquele mesmo ano, quando o álbum Network foi lançado, ele também se juntou ao Mtume como baixista em seu excelente álbum de 1984.

Principais faixas de B.B & Q. Band

+ The B.B. & Q. Band - All Night Long (She's Got The Moves I Like (1982)

+ The B.B. & Q. Band - Don't Force It (1985)

+ The B.B. & Q. Band - Downtown (1983)

+ The B.B. & Q. Band - Dreamer (1985)

+ The B.B. & Q. Band - Genie (1985)

+ The B.B. & Q. Band - Hanging Out (1982)

+ The B.B. & Q. Band - Hard To Get Around (1982)

+ The B.B. & Q. Band - Imagination (1982)

+ The B.B. & Q. Band - Keep It Hot (1983)

+ The B.B. & Q. Band - Main Attraction (1985)

+ The B.B. & Q. Band - Mistakes (1981)

+ The B.B. & Q. Band - On The Beat (1981)

+ The B.B. & Q. Band - On The Shelf (1985)

+ The B.B. & Q. Band - Riccochet (1985)

+ The B.B. & Q. Band - She's A Passionate Lover (1983)

+ The B.B. & Q. Band - Starlette (1981)

+ The B.B. & Q. Band - Stay (1983)

+ The B.B. & Q. Band - Time For Love (1981)

+ The B.B. & Q. Band - We've Got To Do It (1983)

+ The B.B. & Q. Band - Won't You Be With Me Tonight (1985)

B.B. & Q. BAND - B.B. & Q. BAND (1981)

B.B. & Q. BAND - All Night Long (1982)

B.B. & Q. BAND - Six Million Times (1983)

B.B. & Q. BAND - Genie (1985)

B.B. & Q. BAND - The Legacy (2022)

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B.T. EXPRESS

B. T. Express (originalmente chamado de Brooklyn Transit Express) foi um grupo americano de funk/disco que teve uma série de canções de sucesso durante a década de 1970.

De acordo com um artigo da Record World em março de 1975, os King Davis House Rockers geraram o Madison Street Express que gerou a Brothers Trucking que gerou a B.T. Express. Na época, o grupo era formado por Rich Thompson na guitarra solo e Bill Risbrook no saxofone tenor, que formavam o núcleo dos King House Rockers. Também estavam no grupo Louis Risbrook no baixo, irmão de Bill na flauta solo, sax alto, flautim e clarinete. Estavam presentes também Olando T. Woods na bateria e a cantora Barbara Joyce Lomas. O último membro foi Dennis Rowe nas congas. Carlos Wards, que nasceu no Panamá, tocou com o Octeto John Coltrane, Don Cherry, Pharoah Sanders e McCoy Tyner. Barbara Joyce Lomas, que veio do Alabama, esteve com os Uptights e cantou em seu single, "Free at Last" b/w "You Git’s None of This", lançado pela Skye Records SKYE 4525.

O grupo fazia parte do "Brooklyn Sound" do início dos anos 1970, formado por três músicos do grupo King Davis House Rockers. The House Rockers era uma banda de dança local que lançou alguns singles obscuros ("We All Make Mistakes Sometimes" de 1967 pela Verve Records, "Rum Punch" de 1972)

O single, "Baby You Satisfy Me" b/w "We All Make Mistakes Sometimes" foi creditado a King Davis House Rockers com Richard Thomas, e foi lançado pela Verve VK 10492 em fevereiro de 1967. Em 1969, King Davis produziu "What Do I Have to Do" b/w "We All Make Mistakes Sometimes", creditado a Rick Thompson e lançado pela Columbia 4-44880. Houve também um single do The Visitors, "Holiday in Love" b/w "Rum Punch", que foi lançado pela Airways LK-2000. Foi composta por L. Risbrook, C. Ward e C. Stephenson. Foi co-produzido por Stephenson e King Davis. Também foi lançado pela Straker's Records S-0046 com "Rum Punch" como lado A.

Os três músicos (o guitarrista Richard Thompson, o saxofonista tenor Bill Risbrook e o saxofonista alto Carlos Ward) formaram o Madison Street Express junto com o baixista Louis Risbrook (mais tarde chamado de muçulmano Jamal Rasool), o percussionista Dennis Rowe, o baterista Terrell Wood e a vocalista Barbara Wood.

Os membros do Madison Street Express, juntamente com o produtor Jeff Lane, assinaram com a produtora Roadshow Records para gravar "Do It ('Til You're Satisfied)" do escritor Billy Nichols. O disco foi vendido por grandes gravadoras até ser aceito pela Scepter Records. Scepter sugeriu que o grupo mudasse seu nome de Madison Street Express, daí Brooklyn Transit Express. O single foi lançado em agosto de 1974 e alcançou o top 10. Lane levou o grupo de volta aos estúdios para gravar um segundo single e lançar um álbum completo para a gravadora. Scepter concordou com o LP e com a Roadshow Records tendo seu próprio selo dentro da Scepter Records.

Os dois primeiros singles foram sucessos, ambos lançamentos de R&B número 1 e singles pop no Top 5 nos EUA. O álbum alcançou o primeiro lugar na parada de álbuns de R&B e o número 5 na parada de álbuns pop dos EUA. Essas gravações também foram sucessos na cultura disco em expansão, "Do It" atingindo o pico nas listas de reprodução de clubes antes da Billboard iniciar uma parada disco separada, mas o single seguinte ficou em primeiro lugar por cinco semanas. Eles foram lançamentos certificados como ouro.

BT Express lançou um álbum por ano até 1978. Com o terceiro álbum, Leslie Ming foi contratado como baterista e Michael Jones foi adicionado como tecladista. Jamal, que se converteu ao Islã, deu a Jones o nome de Kashif Saleem, que ele usou após deixar o grupo, em 1979, para prosseguir a produção ("Mighty M Productions" com Morrie Brown e Paul Laurence Jones) e empreendimentos de gravação solo. Naquele ano, o compositor Billy Nichols e o baterista Leslie Ming também deixaram o grupo. Em 1976, a Scepter Records estava passando por dificuldades comerciais que logo encerraram a empresa, e o BT Express conseguiu um acordo de distribuição com a Columbia Records, o que, embora lhes desse maior exposição, resultou em menos atenção dada à sua produção, uma vez que tinham tantos atos nos quais se concentrar. O grupo não alcançou o nível de sucesso de rádio ou de vendas na Columbia que alcançou no Scepter, mais estimulante, mas então extinto. Eles permaneceram na Columbia por cinco anos, com Lane produzindo até 1978, depois Nichols produzindo seu quinto álbum antes de partir para o trabalho solo, e Morrie Brown produzindo o sexto LP e várias faixas seguintes. O grupo mudou de gravadora para Coast To Coast Records para o LP de 1982, para Earthtone Records para um single posterior de 1982, e para o próprio selo do empresário King Davis em 1985.

Michael Jones, mais tarde conhecido como Kashif, morreu em sua casa no bairro de Playa del Rey, em Los Angeles, em 25 de setembro de 2016, aos 59 anos.

Membros:

Richard “Rick” Thompson – guitarra, voz

Bill Risbrook - saxofone tenor, flauta, voz

Terrell Wood – bateria

Bárbara Joyce Lomas - vocais

Carlos Ward - sax alto, flauta, flautim, sopros

Dennis Rowe - percussão

Louis Risbrook (mais tarde conhecido como Jamal Rasool) - baixo, voz

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BILL CURTIS

Confira aqui um Interrogatório super especial com Bill Curtis, o baterista e fundador de uma das mais aclamadas bandas de Disco, Soul e Funk que já nasceram nos Estados Unidos, a nova-iorquina Fatback Band.

“Eu tinha cerca de 15 anos, e todos na banda tocavam bateria melhor do que eu.”

Como, quando, onde e por quê ?

Ok, eu nasci em Fayetteville, North Carolina, e fui criado pela minha Mãe como filho único. Minha Mãe era uma amante da música e tocava piano. A primeira coisa que ela trouxe quando arranjou a nova casa foi o piano, e esse foi o meu primeiro instrumento, embora eu não o toque mais. Comecei a tocar bateria no colégio, e a primeira banda com que toquei foi a Fairley Brother. Eu não sabia tocar. A razão pela qual me escolheram era que eu era a única pessoa na cidade que possuía uma bateria. Minha mãe não me deixava emprestar essa bateria, então eles me deram o posto. Eu tinha cerca de 15 anos, e todos na banda tocavam bateria melhor do que eu.

Quando eu terminei o colegial (na E.E. Smith) fui para New York… “A Big Apple”. Nesse verão eu fui para a escola de música, me inscrevi para a Harnett School of music. Tive que deixar a escola e juntar-me ao exército porque estava difícil de arrumar trabalho e o inverno estava vindo. New York é um lugar muito frio para se estar no inverno, sem lugar onde se possa ficar… Então tem que ser o exército. Cumpri os meus quatro anos lá e voltei para New York para terminar meus estudos. Acabei nunca terminando-os academicamente, e comecei a minha família. Tinha então que começar a trabalhar de verdade. Meu primeiro trabalho profissional foi com Noble Watts e Big Maybell, e daí eu parti com Paul William. Toquei também com Bill Doggett, Sil Austin, King Curtis e Clyde McPhatter. Tive muitos trabalhos em estúdio e toquei na orquestra no Apollo Theater por um tempo antes de começar o meu próprio grupo. Eu era o que geralmente se chama como músico freelance da noite, o que significava que eu podia tocar em qualquer lugar em que se precisasse de um baterista. Comecei o meu próprio selo musical aí pelo fim dos anos 60, chamado Fatback Records, juntamente com o meu coprodutor, Sam Culley.

Nosso primeiro lançamento foi Mary Davis. Sim, a mesma Mary Davis, vocalista principal com a SOS Band. Tínhamos quatro artistas no selo: The Four Puzzles, Jimmy William, e Tom and Gerry. Eu estava produzindo durante o dia, enquanto nas noites e fins de semana eu tocava em clubes com trios de jazz. Toquei com Charlie Williams, Don Pullen & Bubba Brooks. Nós tocamos em um clube por cerca de seis anos, e ao mesmo tempo eu estava tocando dance music com Ron Anderson, em uma banda de R&B. A música começou a mudar naquela época. Um novo som tinha surgido na… Motown. Eu estava tentando me livrar do som R&B e era para ali que eu ia, então formei o meu grupo. No início eram Baixo, Bateria, Guitarra e Metais. Eu estava dividindo alguns músicos com um amigo, Warren Daniels, quando tínhamos algum show, mas aos poucos as datas dos shows começaram a bater e eu tive que arranjar os meus próprios músicos.

Esse foi o início da Fatback Band. Johnny King na guitarra, Johnny Flippen no baixo. Em pouco tempo adicionamos metais, Earl Shelton no sax, George Williams no trompete e Wayne Wooford nas congas. Essa foi a primeira e original Fatback Band.

O que é ‘Fatback’?

‘Fatback’ é a parte gorda de cima do porco, geralmente curada com sal1. Quando cozida solta muita gordura, e era a única carne conhecida por muita gente pobre, e a gordura era usada para condimentar praticamente toda a nossa comida. As pessoas no sul ainda hoje seguem comendo e cozinhando com um pouco de ‘fatback’. Caso você entre em algum restaurante e veja o ‘fatback’ no menu, saberá que esse é um lugar repleto de emoção. Eu tinha que contar um pouco disso, algo sobre o ‘fatback’… Então por que eu chamei a minha banda de Fatback? Foi um apelido que eu recebi de Eric Gale, um guitarrista. Tocamos juntos na Ron Anderson Band. Quando ele queria um certo ritmo, dizia ‘faça aquele ritmo engordurado, aquele ritmo fatback’. Era tipo uma variação de um double shuffle na mão esquerda, com o beat New Orleans tocado no pé. Veja, eu andava cansado de apenas tocar o back beat dois e quatro como todo o resto dos bateristas de R&B, então quando montei o meu próprio grupo, chamei-o de Fatback, e tocávamos essa música engordurada, que queria dizer música ‘repleta de espírito’ (soulful), funky music.

Mas quando se fala da batida Fatback… Não estão falando sobre essa. Essa de que estão falando é a que eu misturei a batida Calypso e um back beat com o quarto tempo no pé. Esse é o famoso Fatback beat que você ouve em disco, house e funky music. Eu não pretendia me alongar tanto, mas já que você perguntou eu aproveitei para esclarecer a história. Nós não recebemos muitos créditos pelas contribuições que fizemos à música.

Como foi o nascimento da Fatback Band? O que você imaginava e esperava naquele tempo?

Acho que eu já respondi a primeira parte da sua pergunta acima. O que eu imaginava e esperava… Bem, nada do que realmente aconteceu. Estávamos só fazendo música e nos divertindo com isso. Eu pensei sim em gravar com a minha banda quando eu estava produzindo, porque as bandas não estava vendendo. Eu nunca as usei quando era produtor, eu sempre uso músicos de sessão. Lembro de Johnny King me perguntando por que eu não gravava a minha banda e arranjava um hit. Não lembro bem agora como tudo isso aconteceu, mas eu estava por aí negociando minhas gravações da Fatback, buscando um acordo de distribuição, e encontrei um antigo amigo chamado Bo Frazier, que disse que estava começando um novo selo e que eu devia passar no seu escritório de vez em quando. Eu fui no dia seguinte, e não falei com ele sobre um acordo de distribuição, mas sobre a minha banda. Eu disse que tinha um novo ideal e queria gravar algum Country e Western funk. Ele disse que nunca tinha ouvido falar de algum Country funk mas me deu um orçamento de $5.000 para fazer um álbum. Fomos ao estúdio e fizemos 12 músicas em quatro horas… E as mixamos em três horas. Acho que fizemos duas country e o resto era puro funk. Isso foi na Perception Records.

E como era fazer gravações nos anos 70? Nessa época era muito divertido, porque você tinha a possibilidade de fazer duas coisas, tocar e criar. A maioria dos produtores deixava que os músicos criassem um tema. Eles apenas entravam e diziam “o que você ouve?” Houve tantas músicas gravadas durante os 70… Acho que uma das razões pelas quais a Fatback demorou tanto para arrancar foi que havia tanta música boa por aí, e o que fazíamos era caminhar para uma batida diferente.

De onde vinha o seu material? Músicas, temas, letras?

Do topo da minha cabeça e dos caras da banda.

O que você sente quando olha para trás e vê o início de coisas como a line dancing e o hip-hop, já que vocês foram partes (ou os pais) desses movimentos? King Tim III, por exemplo, é largamente considerado o primeiro tema hip-hop lançado. Como você vê isso depois de tantos anos?

Eu me sinto ótimo a respeito de todas as coisas que fizemos e com as quais contribuímos. Só o que me incomoda é que não recebemos nenhum crédito ou reconhecimento. Sim, alguns por aí sabem suas histórias musicais. Eu sempre digo aos meus rapazes para sentirem orgulho de si mesmos, porque nós fomos os pioneiros. Nós deixamos as nossas pegadas nas areias da música.

O álbum Raising Hell saiu em 1975, com o tremendo sucesso da faixa Do the Bus Stop. O tema recebeu um tipo de sequência em 1977, no álbum NYCNYUSA, com Double Dutch. Como, e por que, você fez essa sequência? (para mim, são dois dos meus temas preferidos, e sempre os ouço um após o outro) ?

Hey, esse foi um ótimo álbum. Você sabia que “Do the Bus Stop” estourou no Reino Unido antes de estourar nos EUA? Meu parceiro Gerry Thomas, que estava tocando com Jimmy Caster na época, estava na Inglaterra fazendo shows e me ligou, dizendo que temos um hit, e eu digo “What, Bus Stop!” “Sim! É melhor você vir para cá!”

Agora, foi assim que acabou surgindo a Double Dutch… já que eu criei o estilo da dance music (eu não criei realmente as danças de Bus Stop ou Double Dutch, só as gravei). A ideia para a Bus Stop eu arranjei dos Griffin Brothers, uma banda de Washington, D.C., aí dos anos 40 ou começo dos 50. Acredito ter visto um casal dançando esse estilo em New Jersey. Me lembrou de crianças girando cordas para pular2; acabei apenas fazendo uma música sobre isso.

O que mudou para a funk music nos anos 80?

Você quer dizer para a música da Fatback ou para a Funk music como um todo? Só posso te contar a respeito da nossa música. Eu não seguia, nós liderávamos. Tinha completa liberdade para gravar qualquer coisa que quisesse; eles deixavam na minha mão. E às vezes achavam difícil conseguir reproduções ao vivo nas rádios. Nosso som não se encaixava no que as rádios queriam. Foi apenas pelo fim dos anos 70 e início dos 80 que começamos a nos tornar populares. Nesse tempo a banda era um grupo bem temperado com todos os ingredientes de gordura e funk. Nessa época muitas outras bandas surgiram na cena usando os ingredientes da Fatback. Vinicius, aposto que você não sabia que as gravadoras não assinavam contratos com bandas funk de rua até a primeira grande gravação da Fatback, “Goin Home to See my Baby”; um presentinho para o seu livro de história.

Websites como o Wikipedia contam que a banda alcançou um sucesso substancial no Brasil nos anos 70. Você gosta da música brasileira?

Nunca toquei no Brasil, mas amo sua música. Estive no carnaval umas cinco vezes nos anos 80 e no começo dos 90, me diverti muito. Já pensei em me aposentar por lá uma vez. Sou bastante familiarizado com o seu país.

Como vai a banda hoje? Algum novo material?

A nova Fatback tem tocado junta, por aí, desde 2004. Temos postado novas músicas na internet. Hoje em dia eu gravo sob o nome de Bill Curtis and Friends w/ The Fatback Band. Agora me deixe explicar a razão pela qual comecei a gravar com o meu próprio nome… A Fatback Band já foi & já fez história e eu não estou tentando competir com isso ou ficar no mesmo saco. Dessa maneira eu tenho mais espaço para criar outras coisas e para experimentar.

Ligeiras:

Melhor show que você já fez – O último Festival em Glastonbury
Melhor show que você já assistiu – Marvin Gaye
Tema da Fatback que você mais gosta de tocar ao vivo – I found lovin’
Maiores influências e heróis – Paul Williams e Bill Doggett

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BOOTSY COLLINS

William Earl "Bootsy" Collins (nascido em 26 de outubro de 1951) é um baixista, cantor, compositor e produtor musical americano.

Alcançando destaque com James Brown no início dos anos 1970, antes de ingressar no coletivo Parliament-Funkadelic, Collins se estabeleceu como um dos principais nomes e inovadores do Funk com suas linhas de baixo fortes e vocais bem-humorados. Mais tarde, ele formou seu próprio projeto paralelo P-Funk conhecido como Bootsy's Rubber Band. Ele foi um colaborador frequente com outros músicos de uma variedade de gêneros, incluindo dance music ( "Groove Is in the Heart" de Deee-Lite), big beat eletrônico ( "Weapon of Choice" e "The Joker" de Fatboy Slim) e música alternativa. metal (Praxis), entre outros. Ele é membro do Rock and Roll Hall of Fame, empossado em 1997 com outros 15 membros do Parlamento-Funkadelic. Em 2020, a revista Rolling Stone classificou Collins em 4º lugar em sua lista dos 50 maiores baixistas de todos os tempos.

Vida Pregressa

Collins nasceu em Cincinnati, Ohio, em 26 de outubro de 1951. Ele disse que sua mãe o apelidou de "Bootsy". “Perguntei a ela por quê”, explicou ele a um jornalista, e ela apenas disse: 'Porque você parecia um Bootsy'. Deixei por isso mesmo.

Seu irmão Phelps "Catfish" Collins (1943–2010) também era músico. Ele e Bootsy já fizeram parte do The Pacemakers.

Collins manteve uma forte ligação com Cincinnati.

1960s - 1970s

Com seu irmão mais velho Phelps "Catfish" Collins, Frankie "Kash" Waddy e Philippé Wynne, Collins formou uma banda Funk, The Pacemakers, em 1968. Em março de 1970, depois que a maioria dos membros da banda de James Brown pediram demissão por causa de uma disputa salarial, os Pacemakers foram contratados como banda de apoio de Brown e ficaram conhecidos como The J.B.'s. (Eles são frequentemente chamados de JB's "originais" para distingui-los de formações posteriores que tinham o mesmo nome.) Embora tenham trabalhado para Brown por apenas 11 meses, os JB's originais tocaram em alguns dos álbuns de Brown. gravações de Funk mais intensas, incluindo "Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine", "Bewildered (1970)", "Super Bad", "Soul Power", "Talkin' Loud and Sayin' Nothing", e duas instrumentais singles, os muito sampleados "The Grunt" e "These Are the J.B.'s". Em relação à sua gestão para James Brown, Collins declarou:

Ele me tratou como um filho. E estando fora de um lar sem pai, eu precisava daquela figura paterna e ele realmente fez isso. Quero dizer, bom Deus. Todas as noites, depois de fazermos um show, ele nos ligava de volta para nos dar um sermão sobre como soávamos horríveis. [Afeta a voz de James Brown] "Nah, não é isso, filho. Eu não ouvi esse. Você não me deu esse." Ele me dizia isso em todos os shows. Uma noite, sabíamos que não estávamos parecendo muito bem – estávamos de folga – e ele nos ligou de volta e disse: “Uh huh, agora é disso que estou falando. todos acertaram um." Meu irmão e eu nos entreolhamos e pensamos: “Essa mãe deve estar maluca”. Sabíamos em nosso coração e alma que não éramos tão bons naquele programa. Então comecei a descobrir o jogo dele, cara. Ao me dizer que eu não estava participando, ele me fez praticar mais. Então eu simplesmente absorvi o que ele disse e usei de uma forma positiva.

Depois de se separar de James Brown, Collins retornou a Cincinnati e formou House Guest com seu irmão Phelps Collins, Rufus Allen, Clayton "Chicken" Gunnels, Frankie Waddy, Ronnie Greenaway e Robert McCullough. The House Guest lançou "What So Never the Dance" e outro single pelo selo House Guest, bem como um terceiro como The Sound of Vision pelo selo House Guest.

Em seguida, Collins mudou-se para Detroit, Michigan, depois que Philippé Wynne sugeriu ingressar no The Spinners, para quem Wynne cantava. No entanto, seguindo o conselho da cantora e futura deputada Mallia Franklin, Collins fez outra escolha. Franklin apresentou os dois irmãos Collins a George Clinton e, em 1972, os dois irmãos Collins, junto com Waddy, juntaram-se ao Funkadelic. Collins tocou baixo na maioria dos álbuns do Funkadelic e do Parliament no início dos anos 1980, ganhando vários créditos como compositor também.

Em 1976, Collins, Catfish, Waddy, Joel Johnson (1953–2018), Gary "Mudbone" Cooper, Robert Johnson e The Horny Horns formaram o Bootsy's Rubber Band, uma unidade de turnê separada do coletivo P-Funk de Clinton. O grupo gravou cinco álbuns juntos, os três primeiros dos quais são frequentemente considerados entre as gravações P-Funk por excelência. O álbum do grupo de 1978, Bootsy? Jogador do Ano alcançou o topo da parada de álbuns de R&B e gerou o single número 1 de R&B "Bootzilla".

Como Clinton, Collins assumiu vários alter egos, de Casper, o Funky Ghost, a Bootzilla, "o único boneco monstro de strass do mundo", tudo como parte do personagem em evolução de uma estrela do rock alienígena que se tornou gradualmente mais bizarra com o passar do tempo. ligado. Ele também adotou sua marca registrada "space bass" nessa época.

1980s - 1990s

Collins lançou dois álbuns em 1980, seu primeiro álbum "solo", Ultra Wave, e Sweat Band, pelo selo Uncle Jam de George Clinton, com um grupo conhecido como Bootsy's Sweat Band. Ele também foi creditado por co-produzir a estreia do spinoff do P-Funk, Zapp.

Em 1984, ele colaborou com Jerry Harrison do Talking Heads para produzir "Five Minutes", um disco dance amostrado e editado a partir do infame discurso de Ronald Reagan "Começamos a bombardear em cinco minutos". O disco foi creditado a "Bonzo vai para Washington" (também referenciado na canção "Bonzo Goes to Bitburg" dos Ramones de 1985, derivada do papel principal de Reagan como Professor Peter Boyd na comédia de 1951 Bedtime for Bonzo).

Após um hiato de quase cinco anos, ele voltou em 1988 (com a ajuda do produtor Bill Laswell). What's Bootsy Doin'? exibia um novo som que prenunciava a década de 1990, como o sucesso da pista de dança "Party on Plastic". Laswell apresentou Collins a Herbie Hancock, resultando em Perfect Machine (1988). O techno-funk que eles gravaram apresentava toca-discos para apelo de scratch e os vocais suavemente estilizados de Leroy "Sugarfoot" Bonner dos Ohio Players, líderes das paradas. Estas foram as primeiras de muitas colaborações entre Laswell e Collins em muitos álbuns e projetos, com o prolífico produtor usando Bootsy principalmente como baixista, mas às vezes como guitarrista base.

Em 1988, Collins apareceu como artista convidado para tocar baixo no álbum Talk is Cheap de Keith Richards e The X-Pensive Winos.

Em 1989, Collins tocou baixo e produziu várias faixas do álbum Waltz Darling de Malcolm McLaren, creditado a Malcolm McLaren e à Orquestra Bootzilla.

Em 1990, Collins colaborou com Deee-Lite em seu maior sucesso "Groove Is in the Heart", e contribuiu com vocais adicionais. Embora ele também tenha aparecido no videoclipe tocando baixo, a linha de baixo da música é na verdade uma amostra de uma música de Herbie Hancock chamada "Bring Down the Birds". O Rubber Band de Bootsy se tornou o músico de apoio de fato do Deee-Lite durante uma turnê mundial. O Rubber Band também gravou o EP Jungle Bass, sua primeira gravação em 11 anos.

Em 1992, ele se juntou ao guitarrista Stevie Salas e ao baterista Buddy Miles para formar o grupo de fusão funk-metal Hardware. O trio lançou um álbum, Third Eye Open, antes de se separar. No mesmo ano, Collins tocou baixo no primeiro álbum do Praxis (produzido por Laswell): Transmutation, ao lado de Bernie Worrell, membro do Parliament-Funkadelic, Bryan Mantia e Buckethead.

O Bootsy's New Rubber Band foi formado em 1994, lançando Blasters of the Universe e também lançou o seguinte lançamento ao vivo "Keepin' dah Funk Alive 4-1995", gravado em duas noites em Tóquio.

Em 1995, Collins tocou no remake de "If 6 Was 9" de Jimi Hendrix, para Axiom Funk, um supergrupo único do tipo Funkadelic produzido por Bill Laswell e apresentando (membros do Funkadelic) George Clinton, Bernie Worrell, Collins, Eddie Hazel, Gary Shider e Laswell. O grupo lançou apenas um álbum (Funkcronomicon), e a música também apareceu na trilha sonora do filme Stealing Beauty. Ele também participou da música "Simple Melody" de Jon B, de seu álbum de estreia, "Bonafide".

Collins colaborou com Del McCoury, Doc Watson e Mac Wiseman para formar o GrooveGrass Boyz. Eles produziram uma fusão de bluegrass e funk.

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BRASS CONSTRUCTION

O Brass Construction foi um grupo americano de funk e disco formado no Brooklyn, Nova Iorque em 1968. Conhecidos originalmente como Dynamic Soul, o grupo teve uma sequência de álbuns e singles de sucesso até o fim do grupo em 1985.

Contratados em 1975 por Sid Maurer e o ex-promotor da United Artists Records, Fred Frank, o grupo colocou dois singles na parada americana Billboard Hot 100 em 1976 - sendo o de maior sucesso "Movin'" que alcançou o número 14. Tiveram mais sucessos na parada americana Hot Dance Club Play, com nove singles, incluindo "Movin'", que alcançou o número 1. O cantor, pianista, flautista e arranjador Randy Muller ainda conseguiria vários outros sucessos com a banda Skyy.

Durante sua existência, o Brass Construction incluiu em sua formação Wade Williamston (baixo), Sandy Billups (percussão), Morris Price (trompete), Larry Payton (bateria), Jesse Ward Jr. (saxofone), Michael "Micky" Grudge (saxofone), Wayne Parris (trompete), Alvin Haskin (trombonista em "Movin'"), Duane Cahill (trombone), Joseph Arthur-Wong (guitarra) e Randy Muller (vocalista),[3] e posteriormente Lee Evans nos teclados. Joseph Arthur-Wong morreu em 1998. Larry Payton e Jesse Ward Jr. morreram em março de 2016.

O Brass Construction se reuniu para um show em 28 de novembro de 2005 no Bataclan em Paris, França. A morte do baterista Larry Payton foi noticiada em março de 2016.

A faixa de 1975 "Changin'" foi sampleada em 1989 pelo grupo Gang Starr em "Positivity" e em "Gimme" por Jill Scott (2001). A canção "Movin'" foi usada em "Got Myself Together" por The Bucketheads (1995) e em "Movin'" de Lee Marrow (1990). "Message (Inspiration)" foi sampleada em 1988 em "I Ain't Tha 1" de N.W.A; enquanto "What's on Your Mind (Expression)" foi sampleada em 1988 em "Cool V's Tribute to Scratching" de Biz Markie. "Sambo" foi sampleada em 1998 em "Vision of Paradise" de Bob Sinclar e "One to One" foi sampleada em "Ain`t No Stoppin'" por Most Wanted com a participação de Pras e The Product G&B em 1998. Também, "Get Up to Get Down" foi sampleada em "Bass" por King Tee (1988) e em "Tanqueray" pelo DJ Quik (1995) e "Happy People" de 1977 foi sampleada em 1997 por Cheek em "Sunshine People".

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CAMEO

Cameo é uma banda americana de Funk formada em 1974. Cameo era inicialmente um grupo de 14 membros conhecido como New York City Players; esse nome foi posteriormente alterado para Cameo.

Estilo

Cameo começou como uma banda de Funk voltada para trompas na década de 1970, influenciada pelo Parliament-Funkadelic. Na década de 1980, Cameo expandiu seu som com influências de pop, hip hop, rock e reggae, e colocou mais ênfase em teclados e baterias eletrônicas.

A partir do primeiro semestre de 2009, alguns dos membros originais continuaram a se apresentar juntos. Dois outros membros originais foram contratados pelo grupo de hip hop Outkast. Em 2015, Cameo anunciou um novo show de residência no Westgate Las Vegas Resort & Casino, com inauguração em março de 2016. Em 20 de fevereiro de 2019, Larry Blackmon do Cameo anunciou "El Passo", o primeiro novo single da banda em 19 anos.

1974 - 1979

Formada por Larry Blackmon em 1974 como New York City Players, a banda assinou contrato com a Casablanca Records para seu selo Chocolate City em 1975 como Players. No entanto, de acordo com o membro original da banda Nathan Leftenant, o grupo logo mudou de nome após a ameaça de ação legal da Mercury Records devido ao nome "the Players" ser muito semelhante ao Ohio Players, que gravava para a Mercury na época. O nome Cameo foi derivado de uma marca de cigarros vendida no Canadá que a banda viu durante uma visita àquele país. Antes disso, Blackmon, o tecladista Gregory Johnson e Gwen Guthrie formaram a banda East Coast, junto com James Wheeler (saxofone alto), Melvin Whay (baixo), Michael Harris (percussão) e Haras Fyre (também conhecido como Pat Grant) no trombone. Eles lançaram um álbum autointitulado em 1973 pelo selo independente Encounter.

Cameo começou com um som profundo e Funk, mas era óbvio desde o início que seus olhos estavam voltados para a pista de dança. Seu primeiro álbum foi Cardiac Arrest, que apresentou seu primeiro single de sucesso, "Rigor Mortis". Os álbuns seguintes We All Know Who We Are, Ugly Ego e Secret Omen continham canções de pista de dança como "I Just Want to Be" e "It's Serious", a última das quais foi usada para uma cena de concurso de dança no filme de 1978 "Thank God It's Friday". O single de estreia da banda, "Find My Way", foi uma música disco que também foi usada no filme e foi incluída na trilha sonora de Thank God It's Friday. ("Find My Way" foi o cover de uma música de Three Degrees de 1972 e de uma música de Tymes de 1969.)

O baixista Aaron Mills se juntou à banda em 1978, após uma passagem pelo coletivo de jazz-funk de Donald Byrd, N.C.C.U., que fez turnê com Cameo. Mills impressionou Blackmon com seu baixo, e Blackmon o convidou para se juntar ao Cameo.

1979 - 1992

O single "I Just Want to Be" de 1979 foi o grande sucesso de Cameo. Alcançou o número 3 na parada de álbuns de R&B/Hip-Hop da revista Billboard e, junto com o single seguinte, a balada R&B top 10 "Sparkle", levou o álbum Secret Omen ao status de ouro com vendas de mais de 500.000 cópias, o primeiro álbum da banda a alcançar esse status. Seu próximo álbum, Cameosis, foi lançado em 1980 e também alcançou o status de ouro graças em grande parte ao clássico Funk "Shake Your Pants", ao single mid-tempo "We're Goin' Out Tonight" e à balada "Why Have I Lost You" (uma regravação de uma música de seu álbum de 1978, We All Know Who We Are). Alcançou o número 1 na parada de R&B da Billboard e o número 25 na parada da Billboard 200. Seu segundo álbum de 1980, Feel Me, Knights of the Sound Table de 1981 e Alligator Woman de 1982 também ganharam ouro e viram a banda tocar seu estilo eclético. Os membros da banda Aaron Mills, Thomas "TC" Campbell e Jeryl Bright deixaram a banda brevemente em 1983 para formar um grupo spinoff chamado MCB. A banda lançou She's Strange em 1984, que teve um bom desempenho e alcançou o número 1 na parada de R&B da Billboard e 26 na Billboard 200. A faixa-título do álbum, single homônimo, tornou-se o primeiro hit de R&B número 1 da banda, bem como seu primeiro sucesso nas paradas pop. solteiro; alcançando a posição 47 na Billboard Hot 100.

O álbum Single Life de 1985, com a faixa-título e "Attack Me with Your Love", alcançou o segundo lugar na parada Top R&B e deu continuidade ao ímpeto da banda, abrindo caminho para o que estava por vir no ano seguinte. O single "Word Up!" foi lançado em 1986 e alcançou o número 1 na parada de R&B da Billboard, além de número 6 na Billboard Hot 100, tornando-se o maior single da banda na parada pop. O single seguinte, "Candy", alcançou o número 1 R&B e 21 pop, enquanto seu próximo lançamento, "Back and Forth", alcançou o número 3 R&B e número 50 pop. Enquanto isso, o álbum que acompanha também alcançou os números 8 e 1 nas paradas Billboard 200 e Top R&B, respectivamente, tornando-se o álbum de maior sucesso.

Dois anos depois, Cameo lançou Machismo com críticas mistas e caiu para os números 10 e 56 nas paradas Top R&B/Hip-Hop Albums e Billboard 200, respectivamente. Cameo então seguiu com Real Men... Wear Black de 1990 e Emotional Violence de 1992. O lançamento anterior foi seguido por dois álbuns de compilação entre a próxima gravação.

1994 - 2000

Em 1994, In the Face of Funk foi lançado pelo selo independente da banda e alcançou a posição 10 na parada de álbuns de R&B/Hip-Hop. Este álbum foi seguido por um hiato não oficial de seis anos com vários lançamentos de compilações, até o próximo álbum Sexy Sweet Thing em 2000. O álbum atingiu 64 na parada de álbuns de R&B/Hip-Hop, e é seu lançamento mais recente.

2000 - 2016

Em 2001, uma amostra do single "Candy" da banda foi usada no single "Loverboy" de Mariah Carey. A música alcançou o segundo lugar na Billboard Hot 100 e Blackmon recebeu crédito de co-composição.

Esses anos foram marcados por um grande período de inatividade e hiato não oficial, durante o qual foram lançadas seis coletâneas. As coletâneas lançadas neste período foram, em ordem cronológica: The Hits Collection (2000), 20th Century Masters – The Millennium Collection: The Best of Cameo (2001), Anthology (2002), Classic Cameo (2003), The Best of Cameo (2004), Ouro (2005) e A Coleção Definitiva (2006).

2016 até o presente

Em março de 2016, Cameo iniciou um show de residência de um ano em Las Vegas no Westgate Las Vegas Resort & Casino. Em 2019, seu single "Candy" foi interpolado por Beyoncé para seu cover da música "Before I Let Go" do colega grupo de R&B Maze, apresentada em seu filme e no álbum ao vivo que o acompanha, Homecoming.

Membros associados

Kevin Kendrick, Jeff Nelson, Willie Morris, Anthony Lockett e Aaron Mills continuam em turnê com Cameo, bem como com outros artistas. Kevin Kendrick e Aaron Mills trabalharam com Outkast, tocando em seus singles "Ms. Jackson" (2000) e "Prototype" (2003), entre outras faixas. O ex-vocalista do Cameo, John Kellogg, tornou-se advogado do entretenimento, representando artistas como O'Jays, Gerald Levert e LSG. Ele também seguiu carreira no ensino superior da indústria musical, tornando-se presidente assistente do departamento de negócios/gestão musical da Berklee College of Music em Boston, Massachusetts. Gregory B. Johnson lançou dois CDs em sua própria gravadora, Allspice Record Co. - em 2007 A New Hip, que é um CD de jazz suave, e em 2012 Funk Funk (Just for a Little Time), um CD de funk urbano.

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BOOGIE RADIO
CHANGE

Esta grande banda é uma das melhores, mas também uma das mais subestimadas dos gêneros disco e R&B da primeira metade dos anos 80. Eles criaram um som disco cativante, suave e polido, e mais tarde R&B e pop funk, com um toque do céu. Aqui está a história da banda que talvez os tenha deixado brilhar um pouco mais e talvez o faça também para novos ouvintes de música, eles certamente merecem!

O plano de fundo

O empresário nascido em Guadalupe, Jacques Fred Petrus, e seu companheiro mais próximo, o italiano Mauro Malavasi, vinham produzindo suas próprias músicas desde 1978 sob o nome da empresa "Goody Music Production" (GMP; mais tarde substituído pelo nome Little Macho Music). Com criações de estúdio interno como Macho (1978) e Peter Jacques Band (1979), eles ganharam alguma atenção no paraíso da discoteca europeia e americana. Com sede na Itália e uma pequena editora em Nova York, Petrus/Malavasi foram os primeiros produtores musicais italianos, utilizando exclusivamente músicos italianos, e principalmente produtores italianos que obtiveram um sucesso mais amplo. Nesse aspecto eles foram verdadeiros pioneiros na Itália e suas primeiras conquistas já foram eternizadas nos livros de história da música.

Juntando tudo

Já em 1979 foram iniciados os trabalhos com um novo projeto sem nome. O nome finalmente foi decidido ser “Change”, um nome perfeito considerando as próximas mudanças no número de projetos no GMP que Petrus decidiu manter. As principais forças por trás do Change foram o italiano Davide Romani, que ingressou na GMP em 1977 como baixista autodidata, e o compatriota Paolo Gianolio na guitarra, com uma sólida formação em guitarra clássica. O próprio Romani também quer dar muito crédito a outro músico italiano, Rudy Trevisi, que desempenhou um papel mais importante na Mudança do que a maioria das pessoas imagina. Romani não escreveu nada nos primeiros anos com o GMP, mas teve a maior chance de sua vida neste novo projeto depois que Petrus o convenceu a compor algumas faixas, apesar do fato de Romani não ter composto nada antes. Acabou sendo um golpe de muita sorte para Petrus e Romani. Junto com Malavsi, Gianolio e Garfield escreveram todas as faixas da estreia. Agora era hora de encontrar os cantores e compositores das letras, já que os italianos dificilmente sabiam inglês. Para isso Petrus olhou para o exterior, para os EUA. Logo ele encontrou caras como Wayne Garfield que também (co-)escreveu algumas faixas, Tanyanette Willoughby para as letras e os dois vocalistas principais Luther Vandross e Jocelyn Brown. Vandross chamou a atenção de Petrus depois de ouvi-lo cantando em um spot de Coco Cola.

Ele tinha a voz altamente sensível, emotiva e expressiva que Petrus procurava. Vandross já havia sido um cantor de fundo muito apreciado por artistas como Roberta Flack, David Bowie e Chic, trabalhou com anúncios comerciais famosos e de grande sucesso para rádio e televisão e cantou no coral adulto do filme "The Wiz" em 1978. Ele até lançou dois álbuns raramente ouvidos pela Cotillion sob o nome de "Luther" em 1976 e 1977, mas ambos, apesar de terem chegado às paradas com um single de estreia, não despertaram maior interesse e logo desapareceram na enxurrada de música. Este show no primeiro álbum de Change se tornou seu grande avanço de Luther Vandross e abriu o caminho para uma fama incrível e sucesso comercial como um artista solo (segunda tentativa) com a forte estreia "Never to much" em 81 na Epic. Com esse lançamento e muitos outros que virão, Vandross se tornou uma das maiores estrelas do soul durante os anos 80 e 90.

Vandross percebeu seu valor ao negociar com Petrus e fez duas exigências a ele antes de ingressar. Ele queria ter controle total do processo de gravação de sua voz e poder parar quando quisesse caso não estivesse satisfeito com as gravações e em segundo lugar ser creditado como vocalista principal algo que Petrus originalmente não planejava fazer. Ambas as demandas foram aceitas. Este foi um problema maior do que qualquer um poderia imaginar. Jocelyn Brown aqui deixou pegadas ainda mais profundas na areia da música do que Vandross. Ela já havia sido membro do obscuro grupo disco "Musique" e se tornou um dos membros originais da mais tarde conhecida banda "Inner life" em 1979 e marcou com eles sucessos incríveis como o remake do clássico hit "Ain't no mountain high enough" em 1981 e o cativante "I like it like that" em 1982. Brown certamente possuía experiências valiosas com tipos semelhantes de música produzidos por Petrus/Malavasi e foi, como Vandross, uma escolha perfeita. Mais tarde, ela se casou com Shaw e por um curto período foi creditada como cantora de fundo com esse nome nos álbuns de Change em 80 e 81. Mas em 82 ela se divorciou e usou seu antigo nome mais uma vez e se tornou uma estrela solo de sucesso com esse nome. durante a década de 80. Sua carreira solo incluiu uma estreia de bom gosto em 1984, incluindo o hit dançante funky "Somebody else's guy".

É importante lembrar, porém, que o Change foi, apesar de grandes cantores e de um enorme “potencial de banda”, um conceito de estúdio. O fato correspondeu bem à estilosa capa do álbum cubista feita por Frank Porto sem nenhuma foto ou crédito de Change sendo uma banda na capa.

Como foi feito o trabalho

Petrus/Malavasi tinham uma forma específica de trabalhar com suas criações de estúdio, já que as gravações da música e dos vocais eram divididas entre a Itália e os EUA. Separar-se dessa forma era bastante comum nesse tipo de música, mas dividir-se entre países era algo mais raro. Primeiramente as melodias foram criadas, gravadas e mixadas no estúdio de Bolonha, na Itália, pelo engenheiro Maurizio Biancani. Os músicos contratados dos EUA simplesmente foram trazidos de avião para trabalhar duro por algumas semanas e depois voltaram para casa. Os vocalistas de Vandross e Brown, por sua vez, permaneceram em Nova York, onde todas as partes vocais foram gravadas, misturadas com a música nos estúdios Power Station e nos lendários estúdios de som Media. Bill Sheniman foi o engenheiro da Central Elétrica e o engenheiro do levante Michael Brauer no Media Sound. Este trabalho foi o grande avanço de Brauer como engenheiro. Não se sabe por que eles não gravaram tudo em um só lugar. Talvez fosse porque queriam o melhor de dois mundos.

Como Petrus tinha constantemente vários projetos em andamento simultaneamente, nenhum dos músicos ou cantores tinha ideia de onde iriam parar os resultados finais. Esse conhecimento pertencia exclusivamente a Petrus, Malavasi e Romani e a mais ninguém.

Mesmo que Petrus não fosse o verdadeiro produtor da música, como dizem erroneamente as informações da capa de todos os álbuns. No entanto, ele decidiu sobre todas as influências da música, estabelecendo as diretrizes para o som. Nenhuma música foi aceita para um álbum antes de sua aprovação. Destas formas ele produziu a música, mas, sem poucas exceções, de nenhuma outra forma.

O lançamento

Em 1980, o Change finalmente lançou seu primeiro álbum "The glow of love". Imediatamente se tornou um sucesso incrível e alcançou o primeiro lugar na lista de "álbuns negros" da Billboard e permaneceu lá por nove semanas, tempo suficiente para se tornar o single/álbum Disco número 1 do ano. Além disso, três faixas, "A Lover's Holiday", "Searching" e "The Glow of Love" alcançaram o primeiro lugar na parada de singles da Billboard's Club Play por nove semanas. O álbum também foi premiado com sete Grammys. Em todo o mundo também recebeu grande atenção e Change parecia ter uma assinatura dos dez primeiros lugares nas paradas musicais. Petrus como empresário, mas acima de tudo Romani, Gianolio e Malavasi como criadores da música, fizeram um trabalho excelente e não poderiam ter sonhado com um começo mais impressionante. O maior sucesso do álbum foi, de longe, o incrivelmente cativante "A Lover's Holiday", com um excelente tapete de guitarras descoladas, melodia suave e palmas clássicas. O hit foi a primeira composição (disco) de Romani e com esse começo as produções de sucesso só puderam continuar. O resto incluía canções muito apreciadas como a sonhadora "Searching", "The glow of love", que foi a segunda canção de Romani (co-escrita por Wayne Garfield) e enérgica e chique como "It's a girls affair".

Mauro Malavasi, que era o protagonista ao lado de Petrus, ficou especialmente satisfeito com a faixa-título, que reforçou com alguns novos arranjos, pois viu nela um grande potencial. "Searching" quase não foi registrado e Romani teve que persuadir Malavasi do contrário. A faixa que foi removida em favor de "Searching" foi na verdade o hit mais tarde conhecido "Starlette" da banda BB & Q. que encontrou lugar em seu álbum de estreia. Entre todas as faixas da estreia de sucesso, "The glow of love" tornou-se uma das canções dançantes mais populares, regravadas e sampleadas, com mais de 40 versões licenciadas até o momento. Na verdade, "The Glow of Love" é o terceiro maior hit de dance/club de todos os tempos, de acordo com a edição do 100º aniversário da Billboard. Em uma entrevista para a Vibe Magazine (setembro de 2001), Wayne relembrou o depoimento de Luther na sessão de gravação como: "Wayne, esta é a música mais linda que já cantei na minha vida...".

O som

O material era muito orientado para o disco, com melodias cativantes, mas algumas delas mostravam uma sensação um pouco desagradável e um tanto fria, especialmente em comparação com lançamentos posteriores. Nesse aspecto, o primeiro álbum do Change tinha mais em comum com o som moderno mais agressivo do Chic do que qualquer outro lançamento. A impressionante voz de Vandros também recebeu grande atenção, segundo a maioria da imprensa musical da época, ele era inevitável para uma carreira solo, pressuposto que de fato se concretizou um ano depois.

Críticas também podem ser ouvidas sobre o Change como um "chique do pobre". Embora o próprio Romani admita que o som atraente e sofisticado de Chic teve um impacto e foi uma fonte de inspiração, Change desenvolveu seu próprio som, algo que se tornou especialmente óbvio no segundo álbum. O som foi caracterizado por um toque mais elegante, polido e equilibrado com uma abordagem menos agressiva que o som do Chic. Ambos tinham melodias fortes e bons arranjos, mas Change levou isso a um patamar ainda mais alto com uma produção mais inteligente dos produtores italianos. Especialmente a delicada formação clássica de Malavasi e Gianolio no Conservatório de Bolonha contribuiu para isso e brilhou em mais de um. O vencedor, mas de curta duração, "Change sound" logo poderá ser ouvido em todos os projetos de Petrus. A peça central em tudo isso foi sem dúvida Mauro Malavasi que em seu papel crucial como escritor, arranjador, maestro e sobretudo produtor da maioria das bandas criadas por Petrus está a essência do bem sucedido som "Spaghetti disco" da Itália! Portanto, dizer que o Change é um “chique do pobre” é uma afirmação que não é apenas ignorante, mas também estúpida.

Petrus e Malavasi já haviam conseguido; eles alcançaram seu objetivo de criar uma banda de muito sucesso como Change e a luz ensolarada do sucesso estava brilhando em seus rostos.

Milagres - Música do céu e sua maior conquista!

Era ano novo e Petrus, Malavasi, Romani, Gianolio e os demais estavam em estúdio planejando seu segundo álbum com Change. Luther Vandoss ganhou uma atenção impressionante após o álbum de estreia e Petrus, seus produtores e os fãs queriam mais dele. Romani até escreveu “Hold tight” especialmente para ele, mas não era para mim. Um dos principais engenheiros de Petrus, Michael Brauer, explica o motivo: "O segundo álbum Change deveria ser cantado por Luther Vandross, mas como Petrus se recusou a concordar com um contrato justo --- Luther se recusou a cantar no disco. Eles fizeram um contrato justo. procurem alguém que soasse como Luther. Eles finalmente encontraram um cara chamado Crabs que poderia copiar o estilo, mas adicionou pouca originalidade". Então chega de Vandross que deixou o grupo para uma carreira solo de sucesso. Ele foi, como disse Brauer, substituído por James "Crab" Robinson como vocalista principal que tinha uma ótima voz, mas obviamente não era Vandross. Mesmo assim, a voz de Robinson era suave e poderosa.

James "Crab" Robinson

Robinson, primo de Paris Ford do álbum de estreia da banda BB & Q., já havia sido vocalista e tocou guitarra nos álbuns de jazz de Sonny Liston Smith em 1979 e 1980 antes de ingressar no Change. Além disso, Diva Gray substituiu Jocelyn Shaw. Mesmo que Vandross e Shaw tenham deixado o cargo de torrador principal, eles continuaram a cantar e foram creditados como vocalistas de fundo em "Miracles". Isso foi especialmente estranho quando se trata de Vandross, já que ele já havia recusado a oferta injusta de Petrus para continuar como vocalista principal. Então, por que atuar como vocalista de fundo? Ele até participou do mesmo papel no grande álbum de estreia da banda B. B. & Q. naquele mesmo ano. A questão, porém, permanece sem resposta.

Change lançou seu segundo álbum "Miracles" em 1981, que também alcançou o primeiro lugar nos álbuns de "black music" da Billboard e manteve-se assim por seis semanas. Foi uma conquista fantástica, mas não uma surpresa, pois foi, e ainda é, uma pura obra-prima da música!

Os italianos idealizadores - Os verdadeiros criadores de Milagres!

Quem foram os criadores desta grande música? As três principais fontes deste imenso sucesso foram os brilhantes italianos Davide Romani, que escreveu três faixas, e Mauro Malavasi e Paolo Gianolio que escreveram duas cada. Seu grande amor óbvio por aquilo que eles mais gostavam era tão poderoso que seus corações literalmente podiam ser vistos em um mundo interior quando o ouvinte fechava os olhos. É como uma viagem entre este mundo e um paraíso eterno que eles viajam sem esforço entre a inspiração divina e, no final, generosamente proporcionam ao ouvinte uma experiência de sua vida e todos ganham um ingresso grátis!

Os momentos espirituais são inconfundivelmente óbvios e igualmente uma força imensa que traz o lançamento à pura qualidade musical. Na verdade, é muito difícil encontrar um esforço mais brilhante com um sentimento tão celestial nesta categoria de música. A música simplesmente afeta seu corpo, sua consciência interior, seu espírito e principalmente seu coração de tal forma que é impossível resistir. Esta produção é o destaque de todos os esforços do círculo íntimo dos italianos.

Escolher qualquer grande sucesso do álbum é impossível, mas comercialmente "Paradise", com suas guitarras divertidas, era uma música importante. A música também tem uma história de fundo bastante impressionante. Romani achou que o set não tinha um single forte e em apenas uma noite escreveu "Paradise"; na verdade, um esforço notável! O disco também incluiu a cativante "Hold tight" que foi o segundo single, a espiritual "Miracles" e a rápida "On top". A interpretação bem articulada e sensível de James Robinson em "Your move" e a fantástica, altamente sensível e espiritual "Heaven of my life" fazem você se sentir como se estivesse no paraíso e não deixaria ninguém intocado em seu espírito. Essa faixa é apenas uma combinação perfeita que leva o resultado ao mais alto nível da arte musical. A lista de faixas termina com "Stop for love", primeira balada de Malavasi e mais uma vez interpretada por Robinson de uma forma que não deixa ninguém ileso. "Aguente firme" merece mais algumas palavras. A excelente peça produzida só pôde ser ouvida com sua melodia sensível, suave e dançante ao longo da música, um refrão viciante e tudo junto com letras encorajadoras e edificantes interpretadas por Diva Gray de forma magistral.

Uma coisa que ficou inconfundivelmente clara neste álbum foi o fato de que todas as melodias eram incrivelmente fortes e difíceis de resistir. Esses fatos não foram criados por acaso. Era algo que Romani e Malavasi conheciam bem. Segundo declaração de Petrus em 1981, o segredo do sucesso era simplesmente "melodia demais". Ele viu isso como o fator de sucesso número um e tentou usar essa receita repetidamente e tanto Malavasi quanto Romani apoiaram esses ideais completamente. A banda Change e B. B. & Q. certamente correspondeu a essa afirmação!

O álbum se tornou o melhor e mais equilibrado lançamento de Change. Mostrou uma expressão musical distinta e madura que superou o seu álbum de estreia e de facto todos os álbuns seguintes, mesmo entre todas as produções Goody music/Little Macho. A produção impecável deve ter sido uma pedra de ouro dada pelo tesouro da música no céu. Se houver algum álbum com Change que um novo ouvinte possa escolher, é esse e você não ficará desapontado.

Após os primeiros álbuns de sucesso, muitos grandes músicos vieram ao estúdio e uma das visitas mais memoráveis e apreciadas de Romani foi quando ninguém menos que Nile Rodgers apareceu durante um dia de trabalho duro preparando "Miracles".

Change se transforma em R&B

Change havia atingido o famoso topo do sucesso e agora era hora do importante terceiro álbum, o mais difícil, dizem.

Change até agora não era uma banda no verdadeiro significado da palavra, eles eram mais um conceito de estúdio com várias turnês diferentes de "Change" em 80 e 81. Petrus percebeu após o sucesso com os álbuns em 80 e 81 que Change deveria se tornar mais parecido com uma banda e que ele finalmente tinha que dar a eles um rosto e uma identidade estável. O ex-tecladista Jeff Bova expressa isso de uma forma muito clara:

"O álbum foi gravado com todos os músicos de estúdio. Quando chegou a hora de promovê-lo, Petrus teve que reunir a banda em turnê para torná-la uma entidade realmente promovida. Se bem me lembro, eles fizeram alguns shows com a formação original, mas não aconteceu. Não funcionou para o longo prazo. Entre 81 e 82 eles tentaram suporte ao vivo para o disco, gravaram o segundo álbum, organizaram a turnê oficial do grupo e dos membros, então o lançaram e a mudança básica que você sabe foi liberada no mundo! Para tornar a banda mais parecida com um grupo era o que os promotores e agentes de reservas (Norby Walters era o nosso) precisavam para fazer com que as pessoas sentissem uma conexão com a banda".

Sharing your love

A formação do Change in 82 incluía James Robinson, vocal principal, Deborah Cooper, vocal principal, Timmy Allen (veio da banda Kinky Fox onde tocava baixo), baixo, Mike Campell, guitarra, Vince Henry, sax e guitarra, Jeff Bova , teclados e Rick Gallwey, percussão. Alguns deles também participaram da turnê após os 81 lançamentos. Timmy Allen, que veio originalmente da Filadélfia, tornou-se uma figura importante, tanto agora como ainda mais tarde. Ele teve uma grande influência sobre Petrus e foi influente na formação da banda de turnê da banda Change e BB&Q e posteriormente desempenhou um papel importante no processo de seleção de músicas em uma série de projetos de álbuns da Little Macho Music. Esta formação foi quase totalmente estável até seu último álbum em 85.

Em 82 o novo álbum "Sharing your love" chegou ao mercado com o hit dance sonhador "The very best in you" que alcançou o 16º lugar na lista de Black Singles da Billboard. O álbum também teve outros destaques com faixas como "Hard times (it's going be all right)" com alguns riffs de guitarra gordos e sons de buzina assustadores e funky de rua "Take you to heaven". O set também incluiu algumas baladas legais que ganharam um toque urbano contemporâneo.

Uma novidade nesse álbum também foi a foto do grupo que comparado aos dois álbuns anteriores não vinha mostrando nada a não ser a arte cubista de Frank Porto. A banda agora estava mais estável com uma formação que basicamente seria a mesma até o último álbum e passaria apenas por algumas pequenas alterações.

No geral, Change manteve grande parte do fluxo do álbum em 81, embora o material não tivesse a qualidade de ponta do começo ao fim. Fora isso, foi o fato de a banda se voltar mais para o R&B do que para o (pós-)disco que teve alguma importância musical.

Com três álbuns de sucesso, o quarto álbum "This is your time" em 83 não se tornou uma grande exceção, embora não tenha alcançado o mesmo sucesso comercial. A escalação foi ligeiramente alterada. Toby Johnson na bateria foi adicionado à formação e Rick Gallwey substituiu Rick Brennan como percussionista. O álbum abre com a faixa mid-tempo "Got to get up" com muitas guitarras e um groove profundo; saboroso. A segunda faixa "This is your time" é mais rápida, ainda com as guitarras profundas (groove!) por toda parte, um marco para este álbum sem dúvida. O primeiro lado termina com algumas faixas decentes. Quando você vira para o outro lado "Stay' fit", uma faixa decente mais uma vez encontra você, seguida por talvez a melhor faixa junto com "This is your time" neste álbum "Tell me Why". Essas duas faixas eram semelhantes em velocidade e sentimento, ambos grandes clássicos da dança. A última faixa "Don't wait another night" é divertida, mas comum, mas ainda assim uma das melhores do álbum. O processo visto no último álbum em direção ao R&B continuou com um groove mais profundo, mas também com menos fluência e sensação de atmosfera do que antes. Evan então as faixas eram musicalmente ótimas para um encontro na pista de dança ou para uma noite de mudança totalmente aceitável em casa.

Uma era nova, mas curta

Após problemas financeiros e a seguinte saída dos dois personagens principais, Malavasi e Romani, em 83, causada por isso, o futuro do Change, e de todos os outros projetos de Petrus, parecia incerto. Quem poderia substituí-los como os principais criadores da música? Petrus, no entanto, não hesitou um momento antes de agir, e foi uma jogada perfeita. Petrus contratou os próximos ex-membros, produtores, compositores e músicos da Time, James Harris III e Terry Lewis, mais conhecidos como Jimmy Jam e Terry Lewis. A dupla escreveu a maioria das faixas e produziu o álbum inteiro. Timmy Allen, que lentamente se desenvolveu dentro do império Petrus, mostrou suas habilidades de escrita nas demais faixas com um resultado muito bom. Allen, que se tornou uma figura chave não apenas no Change, teve uma grande influência sobre Petrus moldando a banda de turnê do Change e BB&Q e cuidando de grande parte da seleção de músicas em vários projetos de álbuns da Little Macho Music. James Robinson deixou o grupo como vocalista, papel a ser ultrapassado por Timmy Allen e Rick Brennan.

Quando o lançamento do quinto álbum "Change of Heart" no início de 84 chegou, foi uma bomba. Apresentando a talvez mais excelente e bem equilibrada arte de capa do Porto entre todos os seus álbuns, foi especialmente a primeira versão de 12" incluída da faixa-título "Change of heart", com uma melodia extremamente cativante e irresistível com guitarras fortes e sintetizadores delicadamente adicionados que se tornou um clássico de todos os tempos. Esta faixa e todo o conjunto mostraram as habilidades de produção de Jam e Lewis no seu melhor, juntamente com o profundo conhecimento de Petrus sobre o que era bom para o grupo em geral. e Lewis como produtor, embora Petrus sempre tivesse a última palavra e, portanto, indiretamente decidisse sobre o som. No geral, este foi e é um álbum muito completo, o melhor desde 81. Logotipo de Jam/Lewis O processo continuou até o R&B e foi embora. do eurodisco pouco antes.

O lançamento mostrou muito disso com harmonias firmes, baixos profundos e uma música mais groove, muito diferente de Change em 80 e 81. Embora este não seja o "antigo Change", o som especial de Jam e Lewis se encaixou perfeitamente. O momento não poderia ter sido melhor. Exceto "Change of heart", todo o álbum incluía canções fantásticas como "You are my melody", a mais ousada e sexy "I got my eye on you", "Lovely lady" e a hipnótica e "It me queima" tudo com uma centelha da velha Mudança de uma forma moderna. Alguns fãs de Change podem dizer que se trata de R&B americano e não tem nada a ver com o Change original, mas você só pode dizer isso se não estiver aberto a algumas mudanças. Este é sem dúvida um dos melhores álbuns de 84, obrigatório para qualquer amante de R&B.

O último álbum - com o antigo Change

O sucesso com Jam and Lewis foi curto e durou apenas um álbum. Em 85, Petrus teve que inventar algo novo mais uma vez. O resultado foi o álbum "Turn on your radio" que foi lançado pela Atlantic Records. Com uma capa bastante chata em vez da mística e bela arte cubista de Greg Porto - apenas o lançamento no Reino Unido, por alguma razão desconhecida, apresentava a arte típica do estilo portuense - nos primeiros tornou-se o mais fraco esforço, mas não sem olhares brilhantes da velha Mudança. Tanto Jeff Bova quanto Toby Johnson também deixaram o Change após seu álbum de sucesso em 84, mas Romani voltou para escrever uma faixa. O engraçado foi que Petrus co-escreveu o hit “Vamos juntos”, coisa que ele raramente fazia. O álbum foi principalmente uma produção do formidável Timmy Allen. Allen escreveu seis faixas e se inspirou imensamente no som de Jam/Lewis que tentou reaproveitar e já havia provado seu talento em três faixas em 84 incluindo a excelente "It burns me up". Até certo ponto, ele conseguiu copiar o som de 85 também, especialmente na brilhante balada "You'll Always Be a Part of Me", que tinha muito em comum com o hit monstro de Jam/Lewis, "Weekend Girl", do SOS. banda no ano anterior. Allen também foi o co-produtor de acordo com a capa do álbum. Na verdade o álbum foi seu projeto e uma abertura para uma carreira de sucesso como produtor. Mesmo que Allen tenha tentado manter o som antigo de Change, as influências do pop plástico moderno e vazio de meados dos anos 80 não puderam ser totalmente interrompidas.

Comparado com o álbum gêmeo da banda de Peter Jacques (PJB) no mesmo ano, Change ainda tinha mais daquele velho sentimento orientado ao groove e mostrou um álbum muito mais sólido do que PJB também. Apesar disso, o álbum de PJB recebeu um pouco mais de atenção da mídia do que "Turn on your radio", que mais uma vez indica o estranho mundo musical da época. Mesmo que o álbum de Change fosse sólido eles não conseguiam deixar de competir com a melhor produção de Little Macho, o muito atraente álbum "Genie" com a banda B. B. & Q. Como compositores, Petrus usou Allen, Cooper e reutilizou o antigo compositor Paul Slade, que co-escreveu tantos grandes sucessos no primeiro álbum da banda B. B. & Q., para trazer um pouco mais de luz ao projeto.

Quando a faixa título começa a tocar é uma melodia alegre e agradável que você ouve, mas sem aquela mudança de groove e brilho do passado. É preciso dizer, porém, que todas as faixas pendentes, desde as boas até as descendentes, dançam com um som alegre, fácil e acolhedor. No entanto, três faixas se elevam acima das demais. A primeira delas, a forte e alegre “Let's go Together”, era estranhamente a mesma faixa de “All Right Let’s Go” da banda Peter Jacques daquele ano. Obviamente a ausência de boas faixas fez com que Petrus incluísse a faixa de Romani em ambos os álbuns. A já citada balada maravilhosa "You'll Always Be a Part of Me" foi a segunda das bandas mais fortes do set. O último deles foi “Atração Mútua”. Estritamente falando comercialmente, a primeira e a última faixas junto com "Oh what a feeling" tornaram-se pequenos sucessos, especialmente na Grã-Bretanha.

Mesmo que o álbum tenha qualidade um pouco acima da média, com alguns destaques, os fãs devem ter ficado um pouco decepcionados. Talvez a separação de Malavasi tenha sido muito mais devastadora do que Petrus realmente entendeu, além da enorme revolução que estava acontecendo na indústria musical, que não exigia mais as antigas faixas orientadas para o groove disco, mas sim as de pop/rock/sintetizadores. Dito isso, “Turn on your radio” ainda inclui tantos excelentes músicos e cantores cheios de tanto amor, experiência e alegria pela música. É muito triste que o público não tenha conseguido compreender isso em 1985. A mudança realmente não conseguiu atender a essas demandas da indústria musical. Eles tinham uma queda por seu antigo som que não conseguiam abandonar. Essa razão os tornou bem-sucedidos, mas também preparou o terreno para o seu fim. O álbum semelhante de PJB com material de faixa muito menos impressionante que foi dado a Change foi até controlado pela música pop e Synth. Sua música ficou também mais próxima de um verdadeiro fracasso que todas as produções de Petrus daquele ano.

Embora o final do Change seja um tanto desanimador, eles ainda permanecem como um dos melhores grupos de sua época. Na minha opinião, seu segundo lançamento é o esforço mais interessante e realizado junto com o álbum 84 produzido por Jam e Lewis. Mas por outro lado, a sua melhor faixa encontra-se na sua estreia clássica com os ritmos intermináveis, saborosos e voadores de "A Lovers Holiday".

O retorno do Change

Embora o Change original tenha desaparecido após 1985, Davide Romani, Mike Francis, também conhecido como Francesco Puccioni (1961-2009), e Patrick Boothe trabalharam em um novo álbum secreto em 1990. Este novo projeto Change foi inicialmente chamado de X-Change e planejado para ser lançado pela BMG North America com esse nome em 1992. Mas, por algum motivo, nada daquele álbum chegou ao dia, exceto o single "The way you Want Me" da mesma gravadora em 1993. Anos depois, em 2009, Romani conseguiu um acordo com Fonte grava na Itália e pode finalmente lançar o álbum no final do mesmo ano.

O álbum inclui faixas escritas e produzidas por Romani, Francis e Boothe e foi arranjado e regido por Romani, que também o produziu em conjunto com Francis. O álbum é uma produção elegante com um sabor típico de R&B do início dos anos 90, mas tem pouco a ver com o Change original. Certamente teve alguns momentos altos com algumas faixas bastante atraentes, mas é a voz comovente de Patrick Boothe que realmente dá ao álbum o impulso para se elevar acima da média.

Em 2018, Change lançou o álbum "Love 4 love", incluindo o contagiante "Make me (go crazy). Os vocais principais são executados por Tanya Michelle Smith com Romani e Colombo como escritores do material e também como produtores.

Change após Change

Após o fim do grupo, os integrantes desapareceram para todo tipo de projetos musicais.

Timmy Allen (1982-1985, baixo, teclado, vocal principal, backing vocal e co-produtor). Essa força multitalentosa cresceu pouco a pouco como músico e compositor durante seus anos com Petrus. Já no início, Allen teve grande influência sobre Petrus na formação da banda de turnê de Change e BB&Q. Ele continuou esse desenvolvimento cuidando de grande parte da seleção de músicas em vários projetos de álbuns da Little Macho Music. A partir de 1984, Petrus até deu a Allen a oportunidade de escrever para Change, mostrando faixas de alta qualidade como a funky "It burns me up" em 1984 e a pop "Mutualtraction" em 1985. Durante os últimos anos do império de Petrus, entre 1984 e 1986, Allen também recebeu reconhecimento fora da esfera da Little Macho Music como (co-)compositor e (co-)produtor de faixas para artistas como Lillo Thomas (You're love's got a hold em 1984 e Sexy girl em 1986) e Millie Jackson (Hot! Wild! Amor irrestrito! em 1984) e muito mais. Embora fossem todas melodias muito bem escritas e cativantes, o sucesso comercial foi infelizmente menor, exceto o hit R&B número 1 "(You're puttin') a rush on me" de Stephanie Mills em 1984, que ele escreveu e co-produziu em conjunto com parceiro de redação Paul Laurence. Allen foi muito influenciado pelo som de Jam/Lewis, fato que é claramente ouvido no último álbum Change e nos primeiros álbuns de Lillo Thomas. Hoje Allen trabalha com artistas famosos como Britney Spears e Backstreet Boys.

Deborah Cooper (1982-1985, vocal principal) fez alguns backing vocals no álbum de Jonathan Butler em 88, mas também apareceu em vários sucessos premiados # 1 para C+C Music Factory, Victor Calderone, Peter Rauhofer e Tony Moran, para citar alguns . Além de suas apresentações ao vivo com Jessica Simpson, Mariah Carey e outros; ela é uma cantora de jingle altamente conceituada da American Express e muito mais.

James Robinson (1981-1983, vocal principal e guitarra). Esta voz suave, mas ainda poderosa, apareceu após Change no álbum "Step by step" de Jeff Lorber em 85 e lançou um álbum solo medíocre em 87 intitulado "Guilty" no qual o ex-guitarrista dos álbuns da banda Change e B. B. & Q. em 81 Abdul Wali Maomé participou. Mesmo que o álbum carecesse de boas melodias, ele incluía a saborosa faixa mid-tempo "You're the one I've dreaming of". Alguns anos depois, Robinson também trabalhou no álbum 90 de Bob Balwin como vocalista.

Mike Cambell (1982-1985, guitarra) foi muito bem utilizado por vários artistas. Ele tocou guitarra no álbum "Genie" da banda BB & Q. em 85, nos álbuns de Freddie Jackson 86-90, no álbum de estreia do ex-vocalista da banda BB & Q. e ex-membro da Network Johnny Kemp em 86, no álbum de Billy Ocean em 88, Atlantic starr's álbum do mesmo ano e no álbum solo do companheiro de equipe Vince Henry em 90, para mencionar apenas alguns deles.

Vince Henry (1982-1985, saxofone e guitarra) tocou saxofone excelente no álbum de estreia de Tawatha "Welcome to my dream" em 87, no álbum de Tashan em 89, ex-vocalista de fundo da banda B. B. & Q. e estreia do ex-membro da Network Johnny Kemp álbum em 86, álbum de Kashif em 87 e muito mais. Ele lançou seu próprio álbum em 90 intitulado "Vincent". Seu projeto mais recente é o álbum de Jean-Paul Bourelly de 2002 onde toca sax.

Jeff Bova (1982-1984, teclados) também continuou seu trabalho como um grande tecladista e pode ser encontrado em quase todas as capas de álbuns. Bova fez turnê com a Rockit Band de Herbie Hancock e trabalhou como músico de sessão com Nona Hendrix (La Belle), Donna Allen, Starpoint, Cyndi Lauper, Robert Palmer, Tina Turner, Cher, Eric Clapton, Meat Loaf, Celine Dion e muitos outros. Ele ganhou um prêmio Grammy em 1997 de "Álbum do ano" como produtor de "Falling into You" de Celine Dion. (confira a entrevista com Bova).

Rick Gallwey (1982, percussão) tocou percussão no álbum de estreia do ex-vocalista da banda B. B. & Q. e ex-membro da Network Johnny Kemp em 86, no álbum de Sharon Bryant em 89 e no álbum Pieces of a dream's em 93 e outros.

Rick Brennan (1983-1985, percussão) único trabalho musical conhecido foi quando participou como vocalista de fundo no álbum de Takeshi Itoh em 91.

Toby Johnson (1983-1984, bateria) cuja carreira posterior é desconhecida.

Entre todos os membros do Change, a maioria deles continuou como músicos de estúdio e foram muito bem utilizados ao tocar ou cantar em vários artistas conhecidos. James Robinson e Vince Henry lançaram seus próprios álbuns, embora não tenham feito nenhum passo perceptível na areia da música, pelo menos não comercialmente. Mas continuamos com as coisas que mais apreciamos, a música!

Timmy Allen e Jeff Bova, no entanto, alcançaram o nível mais alto quando se trata de fama e sucesso como músicos, compositores e produtores nos anos 90, muito mais comercializados. No caso de Bova principalmente como compositor e tecladista e no de Allen como produtor e compositor. O trabalho de Timmy como produtor de Britney Spears e Backstreet Boys não foi nenhuma melhoria musical em comparação com Change e apenas uma mistura de ritmos chata e produzida em massa, sem a qual a maioria dos leitores aqui pode viver.

Bova pode ter alcançado um nível musical superior, mas mesmo assim ambos alcançaram um feito comercial impressionante. Mais uma vez, quando se trata de Allen, sua escolha de produções em massa e trabalhos de redação, especialmente durante os anos 90, foi apenas um sinal natural da época. Ainda assim é um pouco triste para um homem tão talentoso. Mas, por outro lado, o homem conseguiu viver, então, Allen não tem culpa, com certeza! Nós apenas tiramos o chapéu e o saudamos por suas excelentes conquistas junto com Change e B. B. & Q. Band!

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CON FUNK SHUN

Con Funk Shun (anteriormente conhecido como Project Soul) é uma banda americana de R&B e Funk de Vallejo, Califórnia, formada em 1969. Eles foram influenciados pelos progenitores do Funk James Brown e Sly and the Family Stone. Assinado com a Mercury Records em 1976, a banda teve inúmeras turnês nacionais e internacionais de sucesso, onze álbuns e vários singles de sucesso. O grupo se desfez formalmente em 1986.

A banda começou em 1969 como "Project Soul", formada por Louis A. McCall Sr. (bateria/percussão/vocal) e Michael Cooper (guitarra base/vocal principal), ambos estudantes do ensino médio em Vallejo, Califórnia. Em 1971, a banda também incluía o baixista Cedric Martin, o tecladista Danny "Sweet Man" Thomas, o trompetista Karl Fuller e o tocador de sopros Paul "Maceo" Harrell. Logo depois disso, a formação clássica deste grupo incipiente ficou completa quando o vocalista/multi-instrumentista Felton Pilate entrou a bordo.

Em 1971, os sete músicos formaram uma nova banda, autodenominada "Con-Funk-Shun", em homenagem a uma música do conjunto instrumental Nite-Liters. Eles se mudaram para Memphis, Tennessee, em 1973, quando foram contratados para apoiar os artistas da Stax Records, os Soul Children. Lá, eles chamaram a atenção de Estelle Axton, que os contratou para seu selo "Fretone Records". Seu álbum de estreia, Organized Con Funk Shun, foi lançado em 1973. Em 1975, o nome da banda foi alterado de "Confunkshun" para "Con Funk Shun" pela esposa de Louis, Linda Lou McCall, que também cuidava do marketing e das relações públicas. Eles foram ao Japão para se apresentar em 1975.

Em 1976, Con Funk Shun assinou contrato com a Mercury Records e depois lançou onze álbuns em um período de dez anos. O álbum da banda de 1977, Secrets, foi certificado ouro nos Estados Unidos, assim como o álbum Loveshine de 1978, o álbum Candy de 1979 e o álbum Spirit of Love de 1980. Eles marcaram uma série de dez canções de sucesso na parada de singles negros da Billboard dos EUA, incluindo "Ffun" (No. 1 em 1978), "Shake and Dance with Me" (No. 5 em 1978), "Chase Me" (No. . em 1983) e "Electric Lady" (nº 4 em 1985). "Ffun" (#23) e "Too Tight" (#40) foram as únicas músicas do grupo que chegaram ao top 40 na Billboard Hot 100; Outros 2 entraram nas paradas, enquanto 4 de suas músicas atingiram a parada Billboard Bubbling Under Hot 100.

As tensões dentro do grupo aumentaram ao longo da década de 1980, e o último álbum da banda, Burning Love, foi gravado sem o vocalista e compositor multiinstrumentista Felton Pilate. Depois de vendas decepcionantes de álbuns, Mercury invocou sua "cláusula de membro principal" e retirou a banda da gravadora. Michael Cooper então passou para uma carreira solo com a Warner Bros. Cooper teve um sucesso de R&B com "To Prove My Love" em 1987. Os membros originais restantes tentaram continuar, mas esforços repetidos com novos vocalistas falharam, e eles pararam de se apresentar e gravar como Con Funk Shun em 1987.

Pilatos tornou-se o produtor musical e compositor interno de M.C. Hammer e sua gravadora Bust It Records. Ele trabalhou em vários álbuns para a empresa, incluindo o álbum Please Hammer, Don't Hurt 'Em do Hammer, bem como a maior parte do álbum de estreia da Special Generation em 1990, Take It to the Floor. O vocalista Michael Cooper embarcou em uma carreira de sucesso como artista solo, lançando seu primeiro álbum solo Love Is Such a Funny Game pela Warner Bros. Records em 1987, e lançando o álbum de 1989 Just What I Like e o álbum de 1992 Get Closer pela Warner. Irmãos. gravadora irmã Reprise Records.

Em 1997, Louis McCall foi baleado e morto em um assalto a uma invasão de domicílio. Ainda em 2013, seus onze álbuns da Mercury Records, junto com seus álbuns Greatest Hits e Best of Con Funk Shun, continuam a ser remasterizados e lançados digitalmente.

Em 2015, foi lançado o álbum More than Love. Três dos membros originais da banda, Michael Cooper, Felton Pilate e Karl Fuller, atualmente estão em turnê como Con Funk Shun. Em março de 2017, eles comemoraram seu 45º aniversário como banda com quatro shows esgotados no Yoshi's em Oakland, Califórnia.

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COMMODORES

Commodores, muitas vezes chamado de The Commodores, é um grupo americano de funk e soul. O período de maior sucesso do grupo foi no final dos anos 1970 e início dos anos 1980, quando Lionel Richie era o co-vocalista.

Os membros do grupo se conheceram principalmente como calouros no Tuskegee Institute (agora Tuskegee University) em 1968, e assinaram com a Motown em novembro de 1972, tendo chamado a atenção do público pela primeira vez para o Jackson 5 durante a turnê.

Os singles de maior sucesso da banda são baladas como "Easy", "Three Times a Lady" e "Nightshift"; e canções dançantes com influência do funk, incluindo "Brick House", "Fancy Dancer", "Lady (You Bring Me Up)" e "Too Hot ta Trot".

Os Commodores foram incluídos no Hall da Fama da Música do Alabama e no Hall da Fama do Grupo Vocal. A banda também ganhou um prêmio Grammy entre nove indicações. Os Commodores venderam mais de 70 milhões de álbuns em todo o mundo.

Os Commodores foram formados a partir de dois ex-grupos de estudantes: os Mystics e os Jays. Richie descreveu alguns membros dos Mystics como "fãs de jazz". A nova banda de seis homens apresentava Lionel Richie, Thomas McClary e William King dos Mystics, e Andre Callahan, Michael Gilbert e Milan Williams dos Jays. Eles escolheram o nome atual quando King abriu um dicionário e passou o dedo pela página. “Tivemos sorte”, comentou ele rindo ao contar essa história à revista People. "Quase nos tornamos 'The Commodes'.

Os membros da banda frequentaram a Tuskegee University no Alabama. Depois de vencer o concurso anual de talentos para calouros da universidade, eles tocaram em festas de fraternidades e também em um show de fim de semana no Black Forest Inn, um dos poucos clubes em Tuskegee que atendia estudantes universitários. Eles tocaram covers e algumas músicas originais com seu primeiro vocalista, James Ingram (não o famoso artista solo). Ingram, mais velho que o resto da banda, saiu para servir no Vietnã e mais tarde foi substituído pelo baterista Walter "Clyde" Orange, que escreveu ou co-escreveu muitos de seus sucessos. Lionel Richie e Orange se alternaram como vocalistas. Orange foi o vocalista do Top 10 de sucessos "Brick House" (1977) e "Nightshift" (1985).

A banda inicial foi gerenciada por Benny Ashburn, que os levou para o alojamento de férias de sua família em Martha's Vineyard em 1971 e 1972. Lá, Ashburn fez um teste de marketing do grupo, fazendo-os tocar em estacionamentos e festivais de verão.

"Machine Gun" (1974), a faixa instrumental do álbum de estreia da banda, tornou-se um marco em eventos esportivos americanos, e também é ouvida em muitos filmes, incluindo Boogie Nights e Looking for Mr. Goodbar. Alcançou a posição 22 na Billboard Hot 100 em 1974. Outra música de 1974, "I Feel Sanctified", foi chamada de "protótipo" do grande sucesso de 1976 de Wild Cherry, "Play That Funky Music". Dos três álbuns lançados em 1975 e 1976, Caught in the Act era um álbum de funk, mas Movin' On e Hot on the Tracks eram álbuns pop. Após essas gravações, o grupo desenvolveu o som mais suave sugerido em seus dez maiores sucessos de 1976, "Sweet Love" e "Just to Be Close to You". Em 1977, os Commodores lançaram "Easy", que se tornou o maior sucesso do grupo até então, alcançando a quarta posição nos Estados Unidos, seguido pelo single funky "Brick House", também top 5, ambos do álbum Commodores, assim como "Zoom". O grupo alcançou o primeiro lugar em 1978 com "Three Times a Lady". Em 1979, os Commodores marcaram outra balada entre os cinco primeiros, "Sail On", antes de alcançar o topo das paradas mais uma vez com outra balada, "Still". Em 1981, eles lançaram dois sucessos entre os dez primeiros com "Oh No" (nº 4) e seu primeiro single animado em quase cinco anos, "Lady (You Bring Me Up)" (nº 8).

Os Commodores fizeram uma breve aparição no filme de 1978, Thank God It's Friday. Eles cantaram a música "Too Hot ta Trot" durante o concurso de dança; as músicas "Brick House" e "Easy" também foram tocadas no filme.

Em 1982, o grupo decidiu dar um hiato nas turnês e gravações, período durante o qual Lionel Richie gravou um álbum solo por sugestão da Motown e dos demais membros do grupo. Seu sucesso encorajou Richie a seguir carreira solo, e Skyler Jett o substituiu como co-vocalista. Também em 1982, Ashburn morreu de ataque cardíaco aos 54 anos.

O membro fundador McClary saiu em 1984 (logo depois de Richie) para seguir carreira solo e desenvolver uma companhia de música gospel. McClary foi substituído pelo guitarrista e vocalista Sheldon Reynolds. Então LaPread saiu em 1986 e mudou-se para Auckland, Nova Zelândia. Reynolds partiu para Earth, Wind & Fire em 1987, o que levou o trompetista William "WAK" King a assumir as funções principais de guitarra em apresentações ao vivo. O tecladista Milan Williams saiu da banda em 1989 após supostamente se recusar a fazer uma turnê pela África do Sul.

O grupo abandonou gradualmente suas raízes funk e mudou-se para a arena pop mais comercial. Em 1984, o ex-vocalista do Heatwave James Dean "J.D." Nicholas assumiu funções de co-vocal com o baterista Walter Orange. Essa formação não teve sucesso até 1985, quando seu último álbum da Motown, Nightshift, produzido por Dennis Lambert (os álbuns anteriores foram produzidos por James Anthony Carmichael, que continuaria a trabalhar com Richie em seus álbuns), apresentou a faixa-título "Nightshift", uma homenagem amorosa a Marvin Gaye e Jackie Wilson, que haviam morrido no ano anterior. "Nightshift" bateu na 3ª posição nos EUA e ganhou aos Commodores seu primeiro Grammy de Melhor Performance de R&B por Duo ou Grupo com Vocais em 1985.

Em 2010 foi gravada uma nova versão, dedicada a Michael Jackson. Os Commodores estavam em uma turnê europeia se apresentando na Wembley Arena, em Londres, em 25 de junho de 2009, quando saíram do palco após serem informados de que Michael Jackson havia morrido. Inicialmente a banda pensou que era uma farsa. Porém, de volta aos camarins, eles receberam a confirmação e começaram a chorar. Na noite seguinte, na NIA Arena de Birmingham, J.D. Nicholas adicionou o nome de Jackson à letra da música e, a partir de então, os Commodores mencionaram Jackson e outros cantores de R&B falecidos. Assim surgiu a inspiração no primeiro aniversário da morte de Jackson para regravar, com nova letra, o hit "Nightshift" como uma homenagem.

Em 1990, eles formaram a Commodores Records e regravaram seus 20 maiores sucessos como Commodores Hits Vol. I e II. Eles gravaram um álbum ao vivo, Commodores Live, junto com um DVD de mesmo nome, e um álbum de Natal intitulado Commodores Christmas. Em 2012, a banda estava trabalhando em novo material, com algumas contribuições escritas por atuais e ex-integrantes.

Os Commodores em 2020 consistiam em Walter "Clyde" Orange, James Dean "J.D." Nicholas e William "WAK" King, junto com sua banda de cinco integrantes The Mean Machine. Eles continuam a se apresentar, tocando em arenas, teatros e festivais ao redor do mundo.

Membros atuais:

William "WAK" KIng - (trumpet, guitar, keyboards, vocals (1968–present)
Walter Orange – vocals, drums (1972–present)
James Dean "J.D." Nicholas – vocals (1984–present)

Ex-Membros:

Lionel Richie - vocals, keyboards, saxophone (1968–82)
Milan Williams - keyboards, rhythm guitar (1968–89)
Thomas McClary - lead guitar, vocals (1968–83)
Andre Callahan – drums, vocals, keyboards (1968–70)
Michael Gilbert – bass guitar, trumpet (1968–70)
Eugene Ward – keyboards (1968–70)
Ronald LaPread – bass guitar (1970–86)
James Ingram – vocals, drums (1970–72)
Skyler Jett – vocals (1982–84)
Sheldon Reynolds - lead guitar (1983–87)
Mikael Manley – lead guitar (1995–2005)
Don Williams Sr - keyboards (1999–2001)

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JIMMY ROSS

James Albert Abraham (10 de abril de 1936, Trinidad e Tobago - 21 de março de 2000, Wiekevorst, Bélgica), conhecido como Jimmy James Ross ou Mel Turner, foi um cantor e compositor conhecido principalmente por seu hit disco de 1981 na Inglaterra, "First True Love Affair".

Ele ingressou na Marinha dos EUA ainda jovem como cozinheiro. Mais tarde na vida, ele adotou o sobrenome de sua mãe, Ross. Durante sua adolescência na Marinha, ele rapidamente se tornou conhecido por suas habilidades como cantor a bordo do navio. Ganhando dinheiro extra em bares e clubes locais sempre que desembarcavam, Ross rapidamente obteve reconhecimento por seu talento.

Pouco depois de deixar a Marinha, ele seguiu para a Europa. Tendo vivido no Reino Unido e na Alemanha, onde se casou, finalmente se estabeleceu na Bélgica, onde viveu o resto da vida.

Enquanto morava em Kasterlee-Lichtaart, ele se tornou amigo do cantor, compositor e proprietário de um parque de diversões Bobbejaan Schoepen e sua família. Ele começou a se apresentar e gravar como "Mel Turner". Ele morou muitos anos em Bobbejaanland, onde ele e Bobbejaan Schoepen trabalharam juntos.

Em abril de 1968, após o assassinato de Martin Luther King Jr., Ross e Schoepen escreveram a canção "They Killed the King". Pretendia ser uma homenagem a todos os defensores pacíficos da igualdade, da humanidade e da liberdade. A canção foi publicada inicialmente pela Bobbejaan Records em 14 de maio de 1968, menos de seis semanas após o assassinato de King. Após esta tragédia, Turner e Schoepen decidiram homenagear a memória de Martin Luther King Jr. compondo uma nova canção. Mais tarde, tornou-se também a faixa de abertura do álbum de Mel Turner, A Portrait of Mel Turner (1970).

Uma de suas conquistas mais notáveis foi a música "First True Love Affair" (composta por Luciano Ninzatti / Stefano Pulga [it] e Mel Turner), que alcançou a 7ª posição na parada de dance music e a 90ª posição na Billboard dos EUA. [4] Outra música de sucesso que ele produziu foi "Fall into a Trance", que também alcançou grande sucesso.

Durante as décadas de 1980 e 1990, ele voltou para Bobbejaanland para se apresentar lá a maior parte do tempo.

Em 1993, Ross foi diagnosticado com enfisema. Após uma longa batalha contra a doença, ele morreu em 21 de março de 2000, aos 63 anos.

A partir de abril de 2014, "They Killed A King" foi lançado na Europa e nos EUA por Sam Moore.

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JUICY

Juicy foi uma dupla musical americana composta pelos irmãos Jerry Barnes (da banda CHIC) e Katreese Barnes. O grupo é mais conhecido pelas músicas "Sugar Free" e pela música especial "Beat Street Strut" do Beat Street.

Seu single de estreia "Don't Cha Wanna" foi lançado em 1982 pela Arista Records. No mesmo ano, eles também lançaram seu primeiro álbum homônimo, que chegou à parada de R&B da Billboard no ano seguinte.

Em 1984, sua música "Beat Street Strut", lançada pela mesma gravadora, apareceu no filme de drama musical de 1984 Beat Street e sua trilha sonora com certificado de ouro. A canção alcançou a posição # 46 na parada Billboard Dance em julho de 1984. "Sugar Free" já foi sampleado por AZ para sua música "Sugar Hill", entre outros artistas.

Seu segundo álbum, It Takes Two, foi lançado em 1985. O álbum trazia uma gravação de resposta à música "Juicy Fruit" do Mtume, chamada "Sugar Free". Alcançou a posição # 13 na parada de R&B da Billboard e # 45 na UK Singles Chart. Outro single de sucesso moderado do álbum inclui "Nobody but You", alcançando a posição 59 na parada de R&B.

Seu último álbum, Spread the Love, lançado em 1987, não teve sucesso comercial, resultando na dissolução do Juicy. Katreese Barnes mais tarde se tornou produtora, compositora e diretora musical do Saturday Night Live. Ela ganhou o Primetime Emmy Award de Melhor Música Original e Letra duas vezes por compor músicas para SNL, primeiro em 2007 como co-autora de "Dick in a Box" de The Lonely Island e novamente em 2011 por escrever um monólogo para Justin Timberlake. Katreese Barnes morreu de câncer de mama em 3 de agosto de 2019, aos 56 anos.

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LOOSE ENDS

Loose Ends (também conhecido como Loose End) foi uma banda britânica de R&B que alcançou vários recordes de sucesso ao longo dos anos 1980 e 1990. O trio foi formado em Londres em 1980, inicialmente composto pelo vocalista e guitarrista Carl McIntosh, a vocalista Jane Eugene e o tecladista e vocalista Steve Nichol.

Apesar do sucesso ao longo da década de 1980, Nichol e Eugene deixaram o grupo em 1990 devido a diferenças pessoais.

Loose Ends assinou com a Virgin Records em 1981 sob o nome de 'Loose End'. Parte de seu material de estreia foi escrito para eles por Chris Amoo e Eddie Amoo, que alcançaram o sucesso no UK Singles Chart na década de 1970 com seu grupo The Real Thing. O trio mudou seu nome para Loose Ends em 1983 e continuou a gravar para a Virgin. Eles foram distribuídos nos EUA pela MCA Records.

O grupo foi fundado por Steve Nichol depois que ele deixou a London Guildhall School of Music and Drama. Nichol saiu em turnê com o The Jam em 1982 como trompete, trombone e tecladista. Juntos, o trio alcançou seu primeiro sucesso com "Hangin' on a String (Contemplating)" em 1985, que alcançou a 13ª posição na parada britânica. "Hangin' on a String" também alcançou o primeiro lugar na parada de R&B da Billboard dos EUA, tornando Loose Ends a primeira banda afro-britânica a chegar ao topo dessa parada. Eles alcançaram a 16ª posição com o single "Magic Touch" no mesmo ano. O disco foi produzido nos Estados Unidos, assim como o hit "Slow Down" de 1986 (mais tarde usado como música tema do programa Soul in the City da Canadian MuchMusic). Nessa época, Carl McIntosh também fez arranjos e tocou em uma série de faixas do álbum de estreia do Five Star, incluindo o single "Let Me Be The One", que alcançou o segundo lugar nas mesmas listas no final de 1986. Apesar da queda subsequente nas vendas, o trio alcançou seu último sucesso transatlântico em 1988 com "Watching You (Watching Me)".

A formação do grupo mudou em 1990 devido a diferenças na direção musical proposta. Eugene e Nichol decidiram sair e foram substituídos por Linda Carriere e Sunay Suleyman. Look How Long acabou sendo o último álbum de estúdio lançado sob o nome Loose Ends, e apresentou seu último single de sucesso, "Don't Be a Fool" (1990). McIntosh passou a trabalhar atrás da mesa de gravação com os novos membros e continua fazendo isso até hoje. Desde então, ele produziu trabalhos de vários artistas, principalmente os de Caron Wheeler, Ruth Joy e Kwesi.

A formação original de Carl McIntosh, Jane Eugene e Steve Nichol se reuniu brevemente em 1998 para uma participação especial em "Take Your Time", uma música do primeiro álbum solo de Pete Rock, Soul Survivor, que foi lançado como single no ano seguinte. Todos os três também apareceram no videoclipe da música.

Durante 2015, McIntosh foi entrevistado por Daniel Falconer da revista de celebridades Female First para falar sobre seus 10 principais momentos de carreira. Também no mesmo ano, ele participou de um evento beneficente de arrecadação de fundos em Glasgow, Escócia, para ajudar a Gâmbia. Em 2016, o principal jornal de Toronto, Now, entrevistou McIntosh sobre seu papel na introdução de Toronto à soul music do Reino Unido nas décadas de 1980 e 1990. Em 2017, McIntosh foi convidado pela Red Bull Music Academy em Melbourne, Austrália, para falar sobre como ele já havia produzido as músicas de Loose Ends. Durante 2020, a apresentadora da Smooth Radio, Angie Greaves, entrevistou McIntosh sobre como ele continuou com Loose Ends após a saída dos ex-membros, explicando como o grupo não se separou quando dois membros saíram.

Logo depois, McIntosh foi convidado pela Roland Corporation Music para discutir e demonstrar como ele produziu a programação de bateria usando a lendária bateria eletrônica Roland TR-808 para o hit "Hangin' on a String (Contemplating)". McIntosh detalhou detalhadamente como foi produzido.

McIntosh continua a se apresentar e escrever novas canções sob o nome Loose Ends com a formação de Linda Carriere e Sunay Suleyman de 1990. Em 2021, Loose Ends assinou um novo contrato com a gravadora britânica de hip hop Digital Jukebox Records para lançar novos singles e álbuns.

Jane Eugene

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